Poetronica

ICARUS

2011-06-12T11:29:00.001+02:00

The flight. The fall. The breath.
The black shape began his crazy journey through the stars, drunk with visions & roads. His flight was like a cry, which scratched the blue of the metropolitan (underground) night. His lips made of wax brushed the air. Without even realizing it, his flight-precipice started.
Hands and tongue burned by thirst.
He drilled the sky with his anger and his lunar blood.
An arch broken by the fury of the wind and burning words; his flight was the salvation, his fall was the escape. Which way this cry should go…with no logic and direction?
Icarus lost, Icarus released. Angel with metal hair. Your way of incense and cries towards an heaven with no name.
Tears rattling along the skyscrapers dark profiles, the streets are tied & twisted like shadows & nerves in their farewell to the land.
The wind against the glasses. Windows shake, tears dried on their icy surface. The words that I didn’t tell you.
My flight will be like a quilt of circling & smiling planets. To the next sunrise. To the next sunrise.

Icarus flies. You don’t know whether he is falling or rising. He hovers in the air. Will he soon reach his dreams, now drowned in a puddle?
Icarus, words of wax, lips made of fire and smoking desires.
I remember the first day I met him, with the hands in his pockets, child eyes, man voice. Holy roadster, madly in love. He scattered his steps on the roads. He sank his cruelty among the streets, as the interstices of his many illusions.
One day he climbed on the roof of the building, on the verge of an ancient time. He closed his eyes, blinded by the sun's invisible hot, by the warm light, his yellow blood, a poisonous lymph. Wax to be mold with the eyes, liquid and sensual as a lover.
His eyes are still closed. The dream split open. Pointed stars embedded in the flesh. Shivering as waves of metal that run between the rotating skies.
Flight. Fall. Breath.
What happened? Let me carry your face in my hands .......
Icarus in the blue.

Winking steel.
The adamantine night has started, carved between the lovers bodies and musical instruments. Icarus was walking around, who knows what was hidden under his black coat. The wrist was pressing, the temples bursting. He advanced slowly. His feet seemed to glide along the walls, at the center of the rooms. The metal skin glistened like a star stuck in the day. Dark suits, white teeth and hair in the wind.
No matter where, no matter what. Scratched ropes, pressed against his belly.
No matter where, no matter what. The breath becomes heavy. Beat, rhythm, slow but still floating. The steps are very hot.
The muscles quivered. Yet glimpses of dialogues, speeches. The walls swayed, straight and stiff. Still ahead, do not know for how long. The Silence of the looks, the clocks were running and fell off, one after another.
Notes of a liquid bass. I remember you that night. Icarus, who wanted to come back. Icarus left too early. No matter where, no matter for how long.
Purple eyes. Lips. Lava. It had to begin. Feel the silence, enjoy the darkness with long and deep swallows, put your eyes tight around the night.
Your fingers were the chains that imprisoned music. What did you hold? Keep me close, wrap me with your boiling blood, with your ebony arms.
Your eyes slipped out of my hands, towards the moon. It no longer matters, right?
Icarus starts dancing.
The beat goes up, the battery starts to run between the walls, the faces, the backs and the whispers are twisting. The flesh begins to shake, the clothes are folded like grooves in the sand. Icarus is dancing, the sacred night. Our foreheads are wet. How to hold you, you no longer belong to my story, you, exiled.
Your lips draw circles, your arms draw the orbits of the fire and starry voids are filled with wine. The crowds are melting with the hot silence. Quilts of stars to hide people. The songs are scattered when you walk, the King of Dance, a kingdom of rain, abdicated to happiness.
The shiny sand on my forehead.
Quiet and agitated. The time of breath.
Pulses between the spaces, between the bodies.
A soft race, dancing in the tunnels of space. And more ...

THURSDAY (2011)

2011-02-28T14:20:00.001+01:00

Chaque fois que je perds ma voix.
L’image de cette ville qui me fixe et m’obsède. Comme quelque chose d’où je n’arrive pas à me détacher. Cette image m’a attaqué. Accueilli. Assiégé. Percé. Comme s’elle était partie d’un passé vécu, elle se ferme sur moi, avec une inexorable douceur, presque mobile, presque tangible.
Un basso ostinato, muet, qui suspend chaque geste. Même celui-ci. Même le mot jamais prononcé. Ici, le stylo. Je cherche à savourer le profil de chaque chose qui m’entoure. La laisser passer sur mes lèvres, entre les doigts. Y glisser dessus avec les yeux. Les pas du garçon qui fluaient parmi les tables, rapides et silencieux. Le parfum de la dame qui vient de se lever de sa chaise, son manteau rouge, son sac plein de livres et de pains. Le papier qui tombe à terre comme un chiffon. Les sourires inattendus. Les gens qui passent. Ils bougent, marchent, parlent, se touchent. Leur voix. Presque. Soupirs de soleil. Cet après-midi d’une chaleur étouffante, du gout fort. Soupirs de soleil.

MONDAY (2011)

2011-02-28T14:19:00.001+01:00

Every time I lose my voice.
I’ve lived underneath the ground. Now I’m ready to get out of here and meet the light. I recognize myself in a principle of chaos, expanding like a labyrinth through stones and sands.
Walls and hills surrounding this burning psalm. Tongues melting among doors and shadows.
What did I feel in leaving Jerusalem… I could still recognize the streets named in writer’s notebook.
How much silence. I’m walking. In how many chapters should I split my written work? I’ve always believed in the poetry of spaces. Which ones should I choose? Which hour? A slow dipping.
A magmatic and polyhedral act of loosing.
Overlapping voices, thoughts, beats…my steps. On those narrow streets, where dusty sandals walked, a little hope raised, an escape, a call… while I was sitting on that ground, that trampled ground, hit by thousands of steps, people, ages.
On these narrow streets where the sun got it, in such a strange pattern, like an old angel’s dance.
Which monologue shall I offer?
Now that so much, everything, too much has been said or unsaid; now that the tropic of thoughts extends towards unreachable places.
Every time I lose my voice.
What I don’t dare to remember, because the memory of that mobility would hurt me too much.

INDIGO TRAIL (2011)

2011-02-28T14:18:00.002+01:00

Indigo trail.
J’ai discipline mon corps à cet art.
Rejoindre la terre et l’air au même temps. J’ai appris à pénétrer dans les plis, les plus profonds et cachés de la terre.
Chaque jour je prie la lumière de se dissoudre dans moi.
J’écoute, en appuyant la tête sur ses genoux de pierre. Mes mains dans le vent.
Je recueilli des fleurs et je les offre à sa bouche.
Rien que de l’impalpable émotion. Acrobate et athlète des mots.

ICARUS part II (2011)

2011-02-28T14:18:00.001+01:00

Word of wax, fire lips and smoking desires.
One day he jumped on the cape of an ancient time.
Then he closed his eyes.
On the top of the vertigo. An ocean blanket, the wet heart of melancholy.
I lean to the planets, an invisible rope between his lips.
I drink every hour of the night, my night.
Drops of mercury.
When you dance, I can sing.

ICARUS part I (2011)

2011-02-28T14:17:00.000+01:00

This long night to tell.
This is my night. I want to write my elliptical cry like a suspended rope.
I launch my words against the stars. Falling tears. And I start singing.
Flight. Fall. Breath.
He began his mad journey through the stars, drunk with visions & roads.
The thirsty hands and the salt burned tongue.
His anger and lunar blood.
My flight…a quilt of whirling & smiling planets.

CONNECTING CITIES: new formats or urban communications

2010-12-12T13:54:00.001+01:00

In September and October 2010 the first edition of MFFE (Media Facade Festival) began, a European pilot project featuring the participation of different digital artists and designers. The festival is organised by the Berlin Public Art Lab, in collaboration with the artistic centers of other six European cities: Liverpool, Brussels, Helsinki, Linz, Madrid and Budapest.

The festival represents an opportunity to create a network of "Urban Screens" in the various European cities, linked among them through the use of new technologies and the internet. Its primary goal was to investigate the communicative function of the urban spaces, despite any commercial exploitation, through the creation of digital facilities, inside the cities' public spaces, on which visual and creative elements are projected. Digital image and public space play a key role here.

The artistic events hosted by the seven cities were then simultaneously broadcast on the Web, in order to create a virtual creative space in common to the different locations, where one can share thoughts and creative projects.

The video images projected within the cities are capable of turning urban elements into screens as well, such as windows or public and private buildings facades, thus making the public space artistic. Thanks to online streaming, the events become up-to date in every location.

The idea of connecting seven cities utilizing the "Urban Screens" was selected by the European Commission among the best German projects of the 2007-2013 cultural program. The festival was therefore meant to create a structure-community where artists, artistic centers, cultural operators, governmental authorities and private companies had the chance to interface each other with the public in a communicative and creative way, thus producing a new media format of cultural communication in the public space.

During the first European edition of Media Facade Festival (MFFE), which took was born out of Media Facade Festival Berlin 2008 organized by Susa Pop (Public Art Lab) and Mirjiam Struppel (International Urban Screens Association) from Berlin, we have interviewed Susa Pop herself, the artistic director of the Festival, who is also currently the Managing Director of the Berlin Public Art Lab. She has always been interested in the production of creative communities through projects of networking art within a urban context, exploiting the virtual advantages offered by digital arts and new media.

Silvia Bertolotti: How did the idea of MFFE come up? Was it linked to your past personal experience or rather to your current work activity at the Public Art Lab?

Susa Pop: The idea of "Connected Cities" of the Media Facades Festival Europe 2010 originated from the experience with the Media Facades Festival Berlin 2008 for which we invited artists and media designers to explore the cultural and communicative potential of Urban Screens by developing site-specific projects with public participation for mainly commercially used media facades in Berlin. We found that all digital screens had been operated through the internet which brought up the idea of interconnecting European cities with the medium of urban screens.

Silvia Bertolotti: What is your vision of the current situation of digital art in Europe? Is there a privileged or emerging scene?

Susa Pop: In my opinion there is a new emerging scene of urban media artists who demonstrate a social responsibility, leaning towards the public sphere and environment by using new technologies to give visibility to these social processes: an urban activsm to reclaim the streets (and the screens)

Silvia Bertolotti: How did the collaboration with the other European art centers start? Is it an experience that you would like to repeat in the future?

Susa Pop: We found the partners through our network and workshops to which we had been invited to beforehand. It was a really great experience to work with the partners of MFF2010 (Marie-Laure from iMAL, Brussels / Minna Tarkka from m-cult, Helsinki / Stefan Mittlboeck from Ars Electronica Futurelab, Linz / Nerea Calvillo from Medialab-Prado, Madrid, Ezster Bircsak from Kitchen Budapest). On one hand they were very professional which is important for a pilot project like MFFE and on the other hand it functioned very well from an energetic point of view. We have been working with a method called ‘Action Research’: planning – intervention – evaluation. From the very beginning we organised workshops, round tables, test screenings to develop the project in a collaborative process. It was an enriching exprience as we all worked for the common goal of realising the European Media Facades Festival but were also based in our local cities which shaped different conditions of political, cultural and regulative issues of public authorities and business models of the screensholders – it was a kind of comparative study.

Silvia Bertolotti: Could you explain further the idea of “Human screens”, one of the central and most interesting themes of the Festival?

Susa Pop: ‘Human Screens’ was one curatorial topic which makes visible the processes of the human body in interaction with the media facade. One good example is Air Hunger by Hanna Haaslahti: people could participate in the projection by wearing a wireless breath rate-monitoring belt around their chest. The belt was given to one person at a time and he/she could walk freely in front of the projection area, while producing an undulating landscape in real time via the Bluetooth modem. The principle of visualisation of the breathing pattern is simple. Inhaling creates rising contours and exhaling descending contours ontop of the landscape. The breath-generated landscape carried a lonely character that moved along the slopes and hills created through the inhale/exhale pattern. Instead of being identified with the character, the participant created the condition for his journey.

Silvia Bertolotti: Why is the idea of “connected cities” so important in this project, beyond the technical use of joint broadcasting events?

Susa Pop: The main questions have been how to create site-specific content to connect the local public virtually with other European places. What are new artistic communication forms that function in a local and networked community and can contribute to intercultural exchange?

Silvia Bertolotti: Another theme of the MFFE is the building of communities, urban activism and the public interaction (a sort of 2.0 audience). What is the role of both technology and urban development in all this??

Susa Pop:Technologies like motion tracking cameras, mobile devices, software development set up interfaces / access with the media facades and the screens and create an interactionfield and communication platform for the public audience. Through the participatory process people start to communicate with each other. In the best case it contributes to community building and identification with the public place and its local scenes.

Silvia Bertolotti: I'd like to approach one of the key-elements of the MFFE: "Media Facades and Screens". What is its importance and challenge in contemporary culture? Is it something, in you opinion, more related to new communications, digital arts or rather urbanism?

Susa Pop: Media Facades and Urban Screens is a new communication medium that lies between the spheres of public space and the digital worlds. The public audience acts on several medial levels: in the public space, as an actor on the digital stages of the media facades, in the internet and on the media facades of the networked infrastructure: Urban Screens are an interface format of new communications, digital arts and urbanism.

HUMAN SCREENS

2010-11-19T06:50:00.001+01:00

Chris O'Shea is one of the most popular international graphic and interaction designer, based in London, whose work focuses on the possible interaction mechanisms between man and machine, as well as on the design of artistic works, often by dimension of play and irony, that bring into question our sense perceptions and common experiences of the outside world.

In addition to pursuing his career as an artist, Chris O 'Shea has been curator of the exhibit Cybersonica in 2006 and he is the founder and creator of the project Pixelsumo, a blog dedicated to digital culture, generative graphics, installations and interactive art. For many years one of the references in the Web as well as a privileged observers on artistic creativity through the use of interactive software and hardware technologies.

Among his most important works, we can not forget Beacon (2009) and interactive kinetic light installation created with the Cinimod Studio. Beacon uses a grid of emergency lights that light up in relation to the movement of the spectators walking into the space. This project uses standard industrial lights specially modified to be controlled independently.

The lights use inputs from different thermal cameras that have been adapted to record the movement of people into space. It uses standard technologies for industrial use, put in relation to human behavior and its dynamism, in a playful and active involvement.

O'Shea was also co-founder, with J. Gethin Lewis and A. Muller, of another project in 2007 called This Happened, launched in London and still active along with a dedicated website http://www.thishappened.org. This project brings together a series of events around everything is going on "behind the scenes" of design. Interaction design is the field of This Happened to look open and cross the boundaries of a world, the one of business and design companies, sometimes too close to the outside. Events, presentations, debates and discussions to explore the background of a product and its creative process.

"Having ideas is easier than making them happen", the authors write on the website. The exploration of the concept behind a product and its production process is an essential contribution to the future design of new objects. For this reason, it becomes important to develop methods and productive ideas. This is the idea behind This Happened , which sees the participation of every person who wants to contribute to any of the events in different countries around the world, following the settings of a 2.0 blog. Everyone can participate, from students to professionals. In this case, the interaction becomes real involvement.

Coming back to more artistic works and installations, other projects by Chris O'Shea were Cybrid Landscape (2004), in which a three-dimensional landscape is created from physical space through the interaction and Out of Bonds (2007).

His most recent performance took place in Brussels, within the Media Facade Festival Europe 2010. Hands from Above was an interactive and playful work, presented through an urban screen. During the performance, passers-by are seen projected onto the screen and grabbed, rolled and moved in real time by a large red hand. The "playful manipulations" are influenced by the physical movement of people and the weather outside. Passers-by were playfully disturbed during their daily activities and put into an artistic dimension, inside their own daily lives.

With Chris O'Shea we talked about this last project, meetig him in Brussels during the wide urban exhibition touring through different European cities from the last 27th of August to 3rd of October 2010.

Silvia Bertolotti: How Hand From Above has been realized, starting from the idea?

Chris O’Shea: Once the project had been commissioned, I had set about planning how the software would work. I programmed it in c++, using an open source toolkit called openFrameworks and image processing using openCV. Having used cameras in my work many times before, I had also built up a set of code libraries that I had wrote to achieve various tasks. The first test of the software was just a live video feed, a static image of the hand that I could position with the mouse. It was interesting to see people even reacting to that, and of course enjoying seeing themselves on screen. My first real test of the work on the public was the day before the launch, because the time scale was so short.

Silvia Bertolotti: Where did the idea and the inspiration for this work come from? What’s the main point, a part the fact of questioning about our daily (and unquestioned) routine?

Chris O’Shea: The main idea was that I wanted people to feel small, that there was this other being that could pick us up or squash us. Changing the daily routine was mainly due to the location of the screens in public space, getting people to stop and enjoy something whilst on the way to the shops.

Silvia Bertolotti: Hand from Above has been presented in many cities, including Tokyo, London, Korea for the INDAF Festival and recently Brussels, in occasion of the MFFE. Which was in your opinion the most interesting location? Could you describe the different reactions from the audience depending of the world place?

Chris O’Shea: Actually I don't have a favorite location. Each screening had its own interesting context for display, from shopping centre to arts festival. People have generally reacted to it in the same way in each location, there seem to be no cultural barriers so far. Everyone walks away smiling.

Silvia Bertolotti: In general, and in these two mentioned works in particular, you focus on interaction. Which is the role of technology in the interactive art? Do you believe in a sort of "digital art 2.0"?

Chris O’Shea: For me the technology in my work isn't important and is not the focus of the work. Although it's obvious technology is used, its hidden away and not explained to the user. The focus for me is the human aspect, the way people behave.

Silvia Bertolotti: The emphasis in some of your works is also the play. Which is its dimension?

Chris O’Shea: Play is important, to all ages, as its how we learn how the world around us works. Like art, it can also make us think differently about ourselves. In my works I hope to take people out of the everyday and fill them with joy and wonder. I aim to stimulate curiosity, allow people to make believe, explore and discover their imaginations. More importantly, to smile.

Silvia Bertolotti: Getting back to Hand from above, why did you decide to perform in the urban spaces?

Chris O’Shea:What I like about the outdoor screens is that you can reach an audience that perhaps wouldn't normally go into a gallery or museum, it makes it more accessible.

Silvia Bertolotti:Any plans for the future? Are you currently working on something new?

Chris O’Shea: Yes always but I can't say anything about it until it’s ready :) Perhaps watch my website and twitter @chrisoshea to see when new projects are posted.

HUMAN SCREENS Intervista con Chris O'Shea

2010-10-11T13:43:00.001+02:00

Chris O’Shea è uno di più conosciuti interaction e graphic designer a livello internationale, di base a Londra, il cui lavoro si focalizza innnanzitutto sui possibili meccanisimi di interazione tra uomo e macchina, nonchè sull’ideazione di contesti artistici che, spesso attraverso la dimensione del gioco e dell’ironia, mettono in discussione le nostre percezioni sensoriali e le comuni esperienze del mondo esterno.

Oltre a perseguire la sua carriera di artista, Chris O ‘Shea è stato anche curatore della mostra Cybersonica nel 2006 ed è il fondatore e creatore del progetto Pixelsumo, blog dedicato alla cultura digitale, alla grafica generativa, alle installazioni e all’arte interattiva. Da molti anni, uno dei punti di riferimenti nel settore sul Web nonchè uno degli osservatori privilegati sulla creatività artistica e progettuale mediante l'uso di tecnologie software e hardware interattive.

Fra i suoi lavori più importanti non possiamo dimenticare Beacon (2009) un’installazione luminosa cinetica e interattiva che O’Shea ha creato insieme al Cinimod Studio. Beacon utilizza una griglia di luci di emergenza che si illuminano in relazione al movimento degli spettatori che camminano all’interno dello spazio creato. Questo progetto utilizza delle luci industriali standard appositamente modificate per essere controllate in maniera indipendente. Le luci utilizzano input provenienti da diverse videocamere termali che sono state adattate alla registrazione del movimento delle persone nello spazio. Vediamo come già emerga il fattore interattivo come nucleo centrale dell’opera, inteso come coinvolgimento dinamico e ludico dell’audience all’interno dello spazio artistico stesso. Vengono inoltre utilizzate tecnologie standard di uso industriale, messe pero’ in relazione al comportamento umano e al suo dinamismo, in una dimensione ludica e di coinvolgimento attivo.

O’Shea è stato inoltre co-fondatore, questa volta insieme a J. Gethin Lewis e A.Muller, di un altro progetto nel 2007, This Happened lanciato a Londra e attualmente ancora attivo insieme ad un proprio sito web dedicato http://www.thishappened.org/. Questo progetto raccoglie una serie di eventi intorno a tutto cio’ che accade "dietro le quinte" del design. L’interaction design è l’ambito su cui si concentra This Happened, per cercare di aprire e varcare i confini di un mondo, quello delle imprese e delle società di design, a volte troppo chiuso verso l’esterno. Quello che si tenta di fare attraverso eventi animati da presentazioni, dibattiti e discussioni è esplorare il background di un prodotto e il suo processo creativo.

“Avere idee è più facile che realizzarle”, scrivono gli autori sul sito. L’esplorazione del concetto che sta alla base di un prodotto e del suo processo di produzione rappresenta un contributo essenziale per la futura concezione di nuovi oggetti. Per questo diventa importante approfondire metodi e idee produttive. Questa l’idea alla base di “This Happened” che ancora una volta vede la partecipazione di ogni persona che voglia contribuire ad uno degli eventi nei diversi paesi del mondo, seguendo l’impostazione 2.0 di un blog. Tutti possono partecipare, dagli operatori del settore agli studenti. In questo caso l’interazione diventa coinvolgimento vero e proprio.

Ritornando invece alle opere più artistiche e alle installazioni, altri progetti di Chris O’Shea sono stati Cybrid Landscape (2004) in cui si crea un paesaggio tridimensionale a partire da uno spazio fisico attraverso l’interazione e Out of Bonds (2007).

La sua performance più recente ha avuto luogo a Bruxelles, all’interno del Media Facade Festival Europe 2010. E’ stata presentata infatti Hands form Above, opera interattiva e ludica, presentata per mezzo di uno urban screen, uno schermo cioè posto all’interno di uno spazio pubblico cittadino. Durante la performance, i passanti si sono visti proiettati sullo schermo e su di esso afferrati, schiacciati e spostati in tempo reale da una grande mano rossa. Le "manipolazioni ludiche" a loro volta influenzate dallo spostamento fisico delle persone e dalle condizioni meteorologiche esterne. I passanti sono stati così giocosamente disturbati durante le loro attività quotidiane e posti in una dimensione artistica, presente all’interno della loro stessa quotidianità.

E proprio di questo suo ultimo progetto abbiamo parlato con Chris O'Shea, incontrandolo a Bruxxel in occasione della grande rassegna urbana itinerante per varie città Europee dal 27 Agosto scorso fino al prossimo 3 Ottobre.

Silvia Bertolotti: Ci puoi parlare della realizzazione tecnica di Hand From Above, e di come l'hai sviluppata a partire dal concept iniziale?

Chris O’Shea: Una volta commissionato il progetto, ho dovuto pensare a come il software avrebbe potuto lavorare. L’ho programmato in C++, utilizzando un toolkit open source che sicuramente conosci che è openFrameworks. Per processare le immagini ho invece utilizzato una delle sue library, cioè openCV. Avendo usato spesso videocamere per i miei lavori, ho anche creato un set di code libraries per diverse funzioni. Il primo test del software era solamente un video feed, un’immagine statica della mano che io potevo muovere e posizionare con il mouse. Era interessante vedere come le persone reagivano ad essa, mentre ovviamente si divertivano a guardarsi sullo schermo. Il primo vero test dell’opera davanti ad un pubblico è stato il giorno prima del lancio, perché i tempi sono stati strettissimi.

Silvia Bertolotti: Da dove é nata l’idea ispiratrice per quest’opera? Qual è il tema principale, oltre a quello di mettere in discussione la nostra (scontata) routine quotidiana?

Chris O’Shea: Innanzitutto volevo che le persone si sentissero piccole, in particolare davanti a questo altro essere che poteva prenderli o schiacciarli. Il fatto di interrompere la routine quotidiana era dovuto semplicemente alla posizione degli schermi all’interno di spazi pubblici, il che portava la gente a fermarsi e a guardare qualcosa di nuovo mentre si recava nei vari negozi.

Silvia Bertolotti: Hand from Above é stata presentata in molte città nel mondo fra cui Tokyo, Londra, la Corea in occasione dell’INDAF Festival e da ultima Bruxelles, per il Media Facade Festival. Qual’é stato, a tuo parere, il luogo più ricco di interesse? Potresti descrivere diversi tipi di reazione da parte degli spettatori nei vari luoghi in cui il progetto è stato esposto?

Chris O’Shea: In realtà non ho una città o un luogo preferito. Ogni performance ha un contesto particolare in cui svolgersi, dal centro commerciale al festival artistico. La gente ha nel complesso reagito nella stessa maniera in ogni luogo, come se non ci fossero barriere culturali.

Silvia Bertolotti: In generale in tutto il tuo lavoro, ma forse ancora di più in quest’ultima opera, il focus è l’interazione. Ad oggi, dopo un certo numero di anni di lavori e progetti da parte di molti designer in tutto il mondo, secondo te, quale è il ruolo della tecnologia nell’ambito dell'arte interattiva? Credi in una sorta di “digital art 2.0”?

Chris O’Shea: Nelle mie opere la tecnologia non ha troppa importanza e non é il nucleo del mio lavoro. Tuttavia è ovvio che la tecnologia venga utilizzata, pur se nascosta e spesso non spiegata al pubblico. Il focus per me é l’aspetto umano, il modo in cui la gente reagisce e si comporta. In questo momento quindi non ho alcuna opinione riguardo al futuro dell’arte digitale, poiché ogni artista ha la propria attività e i propri obiettivi. Molte tecnologie e trend vanno e vengono e spesso si ripetono. La combinazione dell’elemento "gioco" e del "movimento", inizialmente introdotta con la Wii e in seguito sviluppata da Microsoft Kinect & Sony Move, fa sì in un certo senso che lo stesso principio delle installazioni artistiche sia riprodotto e sia disponibile, in forma di gioco, nelle case.

Silvia Bertolotti: L’enfasi in alcune tue opera é posta infatti anche sul gioco. Qual’è la sua dimensione artistica?

Chris O’Shea: Il gioco é importante, per tutte le età, poiché rappresenta la modalità attraverso cui impariamo come il mondo circostante funziona. Come l’arte, può anche indurci a riflettere in maniera diversa su noi stessi. Nei miei lavori spero di trarre le persone fuori dalla loro quotidianità e di riempirle di gioia e meraviglia. Cerco di stimolarne la curiosità, permettendo alla gente di fare, credere, esplorare e scoprire la propria immaginazione. E soprattutto, sorridere.

Silvia Bertolotti: Tornando a Hand from above, perché hai deciso di lavorare con un performance all’interno di spazi urbani?

Chris O’Shea: Quello che mi piace degli spazi pubblici é il fatto che si possa raggiungere un’audience che probabilmente non entrerebbe mai in una galleria o in un museo. Lo spazio pubblico rende l’arte più accessibile.

Silvia Bertolotti: Quali sono al momento i tuoi piani per il futuro? Stai lavorando attualmente a qualche progetto in particolare?

Chris O’Shea: Sì, ma di solito non dico nulla finché il lavoro non é terminato! Potete comunque visitare il mio sito web e Twitter @chrisoshea per vedere quando nuovi progetti sono annunciati.

http://www.chrisoshea.org/

THE IMAL CENTRE CULTURE & TECHNO IN THE HEART OF EUROPE

2010-08-24T09:42:00.002+02:00

IMAL is an association created in 1999. From 2007 IMAL (Interactive Media Art Laboratory) has inaugurated its centre for digital and technological culture; a space that reaches 600 mq situated in what used to be an industrial shed in the heart of Brussels, becoming a place of encounter between artistic, scientific and industrial experimentation. A space, dedicated to research, digital culture and new media.

IMAL is fundamentally a laboratory for research, experimentation and production for artists, a center of formation which organized workshops and internships; a space for exhibitions, concerts, performances and conferences all under the same denominator of interdisciplinary and interaction between audience, artist and researcher.

Right during this period, from the 4th of June to August 20th, PLAYLIST: playing games, music, art, an exhibition about the reinvention of objects and digital obsolete media, is running. The event presents artists work from the scene of “chiptune” and from digital arts, that have conquered old PC’s and consoles in order to extract new contexts both visual and audio. (http://www.imal.org/playlist)

I personally met with the director of IMAL, Yves Bernard and his collaborator Marie-Laure Delaby for pleasant chat about the history and the activities, in the center that they manage, let alone about the panorama of digital art today and about the production and diffusion in Brussels and in Europe.

Silvia Bertolotti: How was the idea of a center dedicated to digital arts as IMAL born and what was your personal story?

Yves Bernard: The association was founded 10 years ago. Originating from the field of research, the idea was to create a kind of laboratory for artists working on new technologies and new media. In the 90s we therefore created a media lab for national and international artists, but it was in 2000 that it held its first major project involving Finland, France and Belgium at the Brussels Expo. Since 2007 we have had a stable base here, an area of 600 square meters which has helped to consolidate the identity dell'IMAL and build a more stable relationship with the public. The idea is still the same, namely that of a center that is both a laboratory and production site, which also hosts workshops and events for the public.

Silvia Bertolotti: What is your vision, as privileged observer, of the current situation of the digital arts in Belgium and Europe in general?

Yves Bernard: In Europe you only find always and only either workshops or exhibitions. It is difficult and rare to find these two events combined. On the contrary, this would be a winning combination, and that is what we want to do at IMAL. At a European level, there are institutions and art centers in Spain (Laboral, Hangar), France (GMEA, Cie Incidents Mémorables, Art Sensitif), Finland (m-cult), Holland (V2 Mediamatic) and Germany with whom we also collaborate with. In Belgium, for the most part we have workshops. We must also consider in this sense that Brussels has a strategic position within Europe, and a kind of privileged place that allows the meeting and therefore the dialogue between artists, designers and the public. And this is surely an advantage which our centre takes into account and is trying to develop.

Silvia Bertolotti: Which partners are more open to the emergence of digital arts: institutions, companies or research centers? Who mainly collaborates??

Yves Bernard: We are currently setting up partnerships with the most varied institutions: from European art centers, to university research centers (particularly French and Belgian), small firms in the technology sector, which are also strongly encouraged by the dialogue with artists and creative sector workers

Silvia Bertolotti: What position do you give to research and science / technology? In general what is the role of research in the field of digital arts at the moment? I saw that in your program have space, in fact, thematic meetings on the relationship between art and science.

Yves Bernard: Technology is certainly integral to our era and our daily lives. However, it must be discovered and meet the needs of socio-cultural experimentation. This requires a dialogue and exchange with the artistic and creative practices. It is in this sense that we try to act as a center: allowing the two spheres to meet, start up a dialogue and enrich each other. We believe in giving the utmost importance to technological innovation and research a social and cultural dimension. In this sense IMAL seeks to represent a point of contact between art and science.

Silvia Bertolotti: What is at present, if there is one, the winning formula for the centers of digital art: workshops, festivals or performances? In what direction do you work?

Yves Bernard: I do not think there is a winning formula, but surely there is a successful combination, as the history and current situation of IMAL demonstrates: that is the union with exhibiting and the laboratory. This essentially translates as the combination of promotion and dissemination together with testing and production. But above all I think is important to always work at all levels, covering all bases. Testing, producing and educating are directions that must cross-over at any time. And it is this cross-over, in fact, that enables the discovery of new ideas and itis always at different levels: that is for the different artistic languages as well as the artists themselves, as well as the creative possibilities that are in place to generate such "emergencies" .

Silvia Bertolotti: What is the role of the interaction-participation with the public? What are your plans to go in this direction?

Yves Bernard: The ateliers allow the involvement of the public. Indeed, we have always had great success during the workshops organized. They involve not only artists, but "creative people" at large. But everyone has the opportunity of performing live and to meet in person, physically and face to face. This is a dimension that artists often complain about, and unfortunately it is true that interaction is lost today, and this goes hand in hand with the development of technology. But we still emphasise the importance of direct exchange and encounter between people, not just in society but also in artistic terms so often that in fact we discover new 'vocations' by people who are confronted with different languages and artists.

Silvia Bertolotti: What is the target and the type of artists you work with?

Yves Bernard: As art center we favour the spread of information, we presented international artists like Jodi, Maurice Chevalier, or collectives such as the "Holy Fire" group that saw the presence of international names. We prefer to organize exhibitions based on collectives rather than individual artists, such as the current "Playlist". As for the laboratories we focus instead mainly on the discovery of unknown artists who can produce their works through us.

Silvia Bertolotti: Is it more difficult for a centre such as yours to promote the ‘production’ of work or the ‘spread’ of artistry?

Yves Bernard: Both are two key words in general, but especially for the IMAL. We focus on both of them equally. The production, when we give the opportunity for artists to work on their projects, is without doubt the easiest and more direct part. The spread however, being an activity more diluted over time and therefore longer and more challenging, is certainly the most difficult.

Silvia Bertolotti: What are your future plans for IMAL and what new projects are you beginning?

Yves Bernard: We are concentrating principally on these main projects:

- the construction of an Audiovisual Library, that aims to preserve digital art works. We have already taken a first step in creating an archive on our youtube channel (http://www.youtube.com/user/imagicy). But the idea is to construct a real ‘mediateca’ in physical and virtual terms, which responds to the fear of disintegration and disappearance of digital work, to ensure durability instead.

- The creation of a Media Lab, which is a sort of artist residency for national and international artists. This also because Brussels is becoming the place where European and non-European artists are deciding to settle. So we would intervene in the creation of a meeting place where a dialogue can be started between the arts and their creators.

http://www.imal.org

http://www.youtube.com/user/imagicy

http://www.imal.org/playlist

IL CENTRO IMAL CULTURA E TECNOLOGIA NEL CUORE D'EUROPA

2010-08-24T09:31:00.002+02:00

IMAL é un’associazione creata nel 1999. Dal 2007 l’IMAL (Interactive Media Art Laboratory) ha inaugurato il suo nuovo Centro per le culture e le tecnologie digitali; uno spazio di 600 mq situato in un ex-capannone industriale nel pieno centro di Bruxelles, ora luogo d’incontro tra sperimentazioni artistiche, scientifiche e industriali. Uno spazio insomma, dedicato alla ricerca e alle pratiche culturali digitali e dei nuovi media.

IMAL è fondamentalmente un laboratorio di ricerca, sperimentazione e produzione per artisti; un centro di formazione che tiene workshop e stages; uno spazio per mostre, concerti, performance e conferenze sotto il denominatore comune dell’interdisciplinarietà e dell’interazione tra pubblico, artisti e ricercatori.

Proprio in questo periodo, dal 4 Giugno al 20 Agosto 2010, è in corso PLAYLIST: playing games, music, art una mostra sulla reinvenzione degli oggetti e dei media digitali obsoleti. L’evento presenta opere di artisti della scena “chiptune” e di quella delle arti digitali, che si sono riappropriati di vecchi PC e consoles per estrarne un nuovo contenuto visivo e sonoro (http://www.imal.org/playlist).

Ho incontrato personalmente il direttore dell’IMAL, Yves Bernard e la sua collaboratrice Marie-Laure Delaby per una piacevole chiacchierata sulla storia e le attività centro da loro guidato, nonché sul panorama delle arti digitali oggi e sulla loro produzione e diffusione a Bruxelles e in Europa.

Silvia Bertolotti: Com’è nata l’idea di un centro dedicato alle arti digitali come l’IMAL e qual‘è stata la sua storia?

Yves Bernard: L’associazione è nata 10 anni fa. Provenendo dal campo della ricerca, l’idea era di creare una sorta di laboratorio per artisti che lavorassero sulle nuove tecnologie e sui nuovi media. Negli anni ‘90 venne dunque creato un media lab per artisti nazionali e internazionali, ma solo nel 2000 si è svolto il primo importante progetto che coinvolgeva Finlandia, Francia e Belgio in occasione dell’Expo di Bruxelles. Dal 2007 abbiamo poi avuto questa sede stabile, uno spazio di 600 mq che ci ha aiutato a consolidare l’identità dell’IMAL e a costruire un rapporto più stabile con il pubblico. L’idea è comunque la stessa, ossia quella di rappresentare un centro che sia laboratorio e luogo di produzione, che inoltre ospiti ateliers, workshop ed eventi per il pubblico.

Silvia Bertolotti: Qual è la vostra visione, come ossevatorio privilegiato, della situazione attuale delle arti digitali in Belgio e in Europa in generale?

Yves Bernard: In Europa si trovano sempre e solo o laboratori o centri espositivi. E’ difficile e raro trovare i due aspetti insieme. Al contrario, questa sarebbe la combinazione vincente, ed è ciò che ci proponiamo di fare all’IMAL. A livello Europeo, ci sono istituzioni e centri artistici in Spagna (Laboral, Hangar), Francia (GMEA, Cie Incidents Mémorables, Art Sensitif), Finlandia (m-cult), Olanda (V2, Mediamatic) e Germania con cui anche collaboriamo. In Belgio per lo più abbiamo dei laboratori. Bisogna altresì considerare che Bruxelles in questo senso ha una posizione strategica all’interno dell’Europa, e’ una sorta di luogo privilegiato che permette l’incontro e di conseguenza il dialogo fra artisti, creativi e pubblico. E questo è sicuramente un vantaggio di cui il nostro centro tiene conto e che cerca di sviluppare.

Silvia Bertolotti: Chi sono i partners più aperti all’emergere delle arti digitali: istituzioni, imprese o centri di ricerca? Con chi collaborate principalmente?

Yves Bernard: Attualmente stringiamo collaborazioni con i soggetti più diversi: dai centri artistici Europei, ai centri di ricerca universitari (in particolare Francesi e Belgi), alle piccole imprese operanti nel settore tecnologico, che peraltro sono fortemente stimolate dal dialogo con artisti e creativi.

Silvia Bertolotti: Che posto date alla ricerca e alla scienza/tecnologia? In generale qual’è il ruolo della ricerca nel settore delle arti digitali in questo momento? Ho visto che nella vostra programmazione trovano, infatti, anche spazio incontri tematici sul rapporto Arte e Scienza.

Yves Bernard: La tecnologia è sicuramente parte del nostro tempo e della nostra quotidianità. Bisogna però che essa scopra e incontri il bisogno della sperimentazione socio-culturale. Per questo è necessario un dialogo e uno scambio con il mondo artistico e le pratiche creative. Ed è proprio in questo senso che cerchiamo di agire come centro: permettendo alle due sfere di incontrarsi, dialogare e arricchirsi reciprocamente. Riteniamo di assoluta importanza il dare all’innovazione tecnologica e alla ricerca una dimensione sociale e culturale. In questo senso l’IMAL cerca di rappresentare un punto di contatto tra arte e scienza.

Silvia Bertolotti: Quel’e’attualmente, se esiste, la formula vincente per i centri d’arte digitale: laboratori, festival o performances? In quale direzione lavorate?

Yves Bernard: Non penso ci sia una formula vincente, ma sicuramente esiste una combinazione di successo, come la storia e il presente dell’IMAL dimostra: ossia l’unione dell’aspetto espositivo con quello di laboratorio. Sostanzialmente l’attività di promozione e diffusione insieme a quella di sperimentazione e produzione. Ma soprattutto ritengo che fondamentale sia lavorare sempre a tutti i livelli, a 360 gradi. Sperimentare, produrre ed educare sono direzioni che si devono intersecare in ogni momento. E’ l’incontro, infatti, che permette la scoperta e questo sempre su piani diversi: vale sia per i differenti linguaggi artistici che per gli artisti stessi, come pure per le possibilità creative che si vengono a generare in tale luogo di “emergenze”.

Silvia Bertolotti: Qual’è il ruolo dell’iterazione-partecipazione con il pubblico? Quali sono in questo senso i progetti in programmazione?

Yves Bernard: Gli ateliers permettono il coinvolgimento del pubblico. Abbiamo infatti sempre avuto un enorme successo durante i workshops organizzati. Ad essi partecipano non solo artisti, ma “gente creativa” in senso ampio. Ognuno però ha la possibilità di performare live e incontrarsi di persona, fisicamente e face to face. Quest’ultima è una dimensione spesso lamentata dai creativi stessi, che purtroppo si viene a perdere al giorno d’oggi e che va di pari passo con lo sviluppo delle tecnologie. Ma noi poniamo ancora l’accento sull’importanza dello scambio diretto e dell’incontro fra persone, non solo a livello sociale ma anche artistico: spesso accade, infatti, che in questo modo si verifichi anche la scoperta di nuove ‘vocazioni’ da parte di persone che si confrontano con linguaggi e artisti diversi.

Silvia Bertolotti: Qual’è il target e la tipologia di artisti con cui lavorate?

Yves Bernard: Come centro d’arte che privilegia la diffusione, abbiamo presentato artisti di fama internazionale come Jodi, Maurice Chevalier oppure collettive come “HOLY FIRE” che vedeva la presenza di nomi internazionali. Più che mostre su singoli autori, preferiamo comunque organizzare collettive, come per esempio quella attuale:
“PLAYLIST”. In qualità invece di laboratorio ci concentriamo soprattutto sulla scoperta di artisti sconosciuti che hanno la possibilità di produrre le loro opere attraverso di noi.

Silvia Bertolotti: E’ più difficile, per un centro come il vostro, l’attività di “produzione” o quella di “diffusione” artistica?

Yves Bernard: Entrambe sono due parole chiave, in generale, ma soprattutto per l’IMAL. Noi ci concentriamo su ognuna di esse. La produzione, nel momento in cui diamo la possibilità agli artisti di lavorare alle loro opere, è senza dubbio è la parte di più diretta e facile. La diffusione invece, essendo un’attività più diluita nel tempo e quindi più lunga e impegnativa, rimane sicuramente la parte più faticosa.

Silvia Bertolotti: Quali sono i progetti futuri dell’IMAL e quali le novità in questo senso?

Yves Bernard: I progetti principali e di più ampio respiro su cui ci stiamo concentrando sono principalmente:

- la costruzione di una Mediateca, che nasce dall’intento di conservare e preservare le opere d’arte digitali. In questo senso abbiamo già fatto un primo passo creando un nostro archivio su youtube (http://www.youtube.com/user/imagicy). Ma l’idea sarebbe di costituire poi una vera e propria mediateca in senso fisico e virtuale, che risponda al timore di una disintegrazione e sparizione dell’opera digitale, per assicurarne al contrario la perennità.

- la creazione di un Media Lab, che sia una sorta di residenza artistica per artisti nazionali e internazionali. Questo anche perché Bruxelles sta diventando sempre più il luogo in cui artisti europei e non, hanno deciso di stabilirsi. Quindi vorremmo intervenire nella costituzione di un punto d’incontro e dialogo, fra le arti e i loro autori.

IN EQUILIBRIO TRA RITMO E MISURA: Intervista a AOKI TAKAMASA

2010-08-24T09:28:00.002+02:00

Originario di Osaka, Aoki Takamasa é un artista che attualmente vive a Berlino. Musicista elettronico, i suoi lavori e le sue composizioni si snodano attraverso un amalgama molto ricco e stratificato di suoni e ritmiche glitch, tradotti in quel genere di ricerca musicale conosicuto da oltre un decennio come IDM, con opportuni rimandi alla techno e all'electro.

Si é a lungo parlato negli ultimi anni della cosiddetta "laptop music", di questo modo di creare musica e performarla su un palco, che da un primo periodo di grande produttività e innovazione (con le derive più nobili nell'ambito della ricerca acustica) si trova oggi in un momento di pesante stanchezza sia nella produzione internazionale che nei gusti del pubblico. Takamasa, a differenza di altri praticanti del genere, riesce però a fornire in ogni sua produzione la necessaria freschezza e fantasia, andando quasi oltre i limiti imposti dal computer, senza quindi fermarsi alla convenienza funzionale di questo mezzo, imprimendo una creatività e una forza espressiva che vanno al di là dei semplici confini di genere e tecnica. E questo grazie soprattutto alla musicalità e al mood particolari che la ritmica, innovativa ma pur sempre accattivante elemento centrale del suo lavoro, riesce a dare ai vari brani.

Takamasa, sin dagli inizi della sua produzione, nell’ultimo decennio, si è specializzato nella manipolazione di software e altri elementi elettronici. Partendo da un forte interesse per la sperimentazione e per i limiti dell’espressione musicale, il suo lavoro si è poi aperto ad ogni tipo di avventura artistica. Famosa è stata la sua collaborazione con Tujiko Noriko della Fat Cat Records, con cui ha realizzato un disco, 28, che lo ha portato alla ribalta della scena della musica elettronica giapponese. Ma Takamasa è appunto un musicista eclettico, che spesso ha lavorato con altri artisti di fama internazionale non solo nel campo della musica ma anche delle arti visive.

Ultimamente, come in occasione del suo ultimo live set presentato al Brussels Electronic Music Festival (3 giorni di showcase dal 20 al 23 Marzo presso il BOZAR Centre for Fine Arts di Brussels, uno degli appuntamenti più interessanti e completi a livello Europeo per gli amanti della musica elettronica e del clubbing, condito della presenza di oltre 30 tra musicisti, dj e vj), Takamasa affianca alla musica anche il medium visivo, nello specifico bellissime fotografie e slideshows di ambienti urbani e architettonici, scattate dallo stesso artista e visibili presso il suo blog. Lo abbiamo incontrato e intervistato proprio in occasione del festival nella capitale Belga: un'intervista per conoscere meglio uno dei musicisti elettronici più interessanti e raffinati in circolazione.

Silvia Bertolotti: Qual’è il set elettronico con il quale di solito performi dal vivo? E qual’é in particolare la strumentazione che hai usato per la tua performance al Brussels Electronic Music Festival?

Aoki Takamasa: Normalmente per i miei set dal vivo uso due laptops, qualche modulo hardware per effetti e un Audio Mixer. Per quest’occasione al Festival di Brussels, ho usato anche per la prima volta il mio slide show per fotografie, quindi in questo caso ho usato un computer in più.

Silvia Bertolotti: Sei un artista Giapponese che ora vive in Germania. Cosa ne pensi della scena musicale elettronica Europea in confronto appunto a quella del tuo paese d'origine?

Aoki Takamasa: Mi sento in qualche modo di affermare che le origini della musica elettronica sono Europee, perché questo tipo di cultura è nata lì. Inoltre credo che sia di fatto prodotta e diffusa in ogni paese europeo. Tuttavia sento che lo stesso tipo di energia sia presente al giorno d’oggi sia in Giappone che in Europa.

Silvia Bertolotti: Come vedi il futuro della “laptop music”?

Aoki Takamasa: Credo che il laptop sia solo uno fra i tanti strumenti. E’ solamente un computer portatile. I computer hanno rappresentato una grande opportunità per quelli come me che non hanno alcuna conoscenza musicale. Non credo che farei musica se il computer non esistesse. Ci saranno sempre più persone che inizieranno a fare musica senza aver nessun tipo di formazione musicale e potranno condividere e comunicare in ogni parte del mondo, senza aver bisogno di troppi tipi di linguaggio.

Silvia Bertolotti: Abbiamo assistito negli ultimi anni all’emergere di software basati su ambienti di studio virtuali e tali strumenti offrono valide alternative, a costi ridotti rispetto ai tipici studi di produzione basati su hardware, in maniera tale da rendere ora possibile la creazione di musica di alta qualità con poco più di un singolo computer portatile. Tutto ciò in qualche modo ha democratizzato la creazione di musica, tanto che ora molta musica elettronica prodotta “in casa” è diventata accessibile ad un vasto pubblico. Qual è la tua opinione a riguardo?

Aoki Takamasa: Questo fenomeno ha sicuramente aiutato tantissime persone, in termini di diffusione musicale in tutto il pianeta, al punto che abbiamo oggi un’enorme varietà di suoni. Penso tutto ciò sia meraviglioso. Fare musica, del resto, è parte della natura umana.

Silvia Bertolotti: Hai collaborato con artisti Giapponesi molto conosciuti, come Ryochi Kurokawa, Ryiuchi Sakamoto e Tujiko Noriko e ti sei confrontato con i loro diversi mezzi espressivi. Quel’è per te l’interazione più interessante e stimolante in termini di espressione artistica?

Aoki Takamasa: Al momento sono soprattutto il Ritmo e la Fotografia ad adattarsi meglio alla mia modalità espressiva.

Silvia Bertolotti: Come crei le tue musiche? Mi spiego meglio, la prima fonte di ispirazione è il tipo di software o strumentazione tecnica, l’esperienza del ritmo o semplicemente un’idea musicale?

Aoki Takamasa: La mia prima idea appare sempre in maniera improvvisa e sotto forma di Ritmo. In seguito cerco di focalizzarmi sul creare suoni che riflettano la stessa struttura che ho in mente, in maniera che si dispongano in una ritmica e una linea melodica tale da creare un buon groove. Quello che voglio è ottenere la giusta atmosfera utilizzando due speakers che vibrano nell’aria e che portino le persone a ballare. Attualmente, questa credo sia la fonte primaria di ispirazione per me.

Silvia Bertolotti: Nella computer music o “laptop music” si hanno infinite possibilità in termini di suono. Come selezioni i tuoi suoni all’interno di questa vasta gamma?

Aoki Takamasa: Cerco semplicemente di creare suoni che mi facciano sentire a mio agio, rilassato e ispirato.

Silvia Bertolotti: Quali sono i tuoi piani per il futuro? Stai lavorando a qualcosa di particolare al momento?

Aoki Takamasa:In questo periodo sto effettivamente lavorando ad un nuovo progetto. Qualcosa di molto più semplice di quanto abbia fatto fin ora. Ma non voglio anticipare troppo.

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BETWEEN RHYTHM AND MEASURE: An interview to AOKI TAKAMASA

2010-08-24T09:25:00.003+02:00

Native to Osaka, Aoki Takamasa is an artist who is nowadays living in Berlin. He is an electronic musician and his works and compositions twist among a very rich and stratified melting-pot of glitch sounds and rhythm, translated in a music genre already known for a decade as IDM, with proper reference to techno and electro style.

It has been talked a lot in the last few years about the so called “laptop music", i.e. a new way of creating and performing music on a stage, that after a first period of great productivity and innovation (with the most worthy results within the field of acoustic research) is now suffering a period of deep tiredness, both as regards international production and the public taste and appreciation. Unlike other practitians of this genre, Takamasa is able to give to his production the necessary freshness and fantasy, going beyond the limits of the computer, without therefore delaying on the functional convenience of this mean, but impressing a creativity and an expressive force which exeed the simple borders of genre and technique. This is possible above all thanks to the musicality and particular mood he is able to impress in the innovative and engaging rhythm as the main element of his work.

From the beginning of his production and above all in the last decade, Takamasa specialized in the manipulation of softwares and other electronic elements. Starting from a strong interest in sperimentation and the limits of musical expression, his work then opened to every kind of artistic adventure. His cooperation with Tujiko Noriko of the Fat Cat Records is very famous. They created together a disc – 28 – which brought him in the limelight of Japanese electronic music. However Takamasa is an eclectic musician and has often worked with other internationally famous artists, not only in the musical field but also in the sector of visual arts.

In the last period, as during the creation of his last live set presented at the Brussels Electronic Music Festival (3 days of showcase from the 20th to the 23rd March at the BOZAR Centre for Fine Arts of Brussels, one of the most interesting and complete meeting in Europe for the fans of electronic music and clubbing, featuring more than 30 musicians, djs and vjs), Takamasa combines music with visual medium, i.e. wonderful photos and slideshows of urban and architectonical scenarios, shot by himself and available on his blog. We met and interviewed him right during the festival in Brussels: an interview to better know one of the most interesting and refined electronic musicians of our time.

Silvia Bertolotti: What is the technical set you usually perform with live? And what kind of instrument did you use in particular at the Brussels Electronic Music Festival?

Aoki Takamasa: For my live sets, I usually use two laptops, some hardware effectors, and an Audio Mixer. This time, for the Brussels show, I also played with my photo slideshow for the first time, so I used one more laptop just to play it.

Silvia Bertolotti: You are a Japanese artist based now in Germany. What do you think about the electronic music scenes both in Europe and in Japan, your country of origin?

Aoki Takamasa: I think Europe is something like the origin of electronic music , because this culture was born right here. Moreover I think it is produced and spread in each European country. However I basically feel almost the same energy nowadays both in Japan and in Europe.

Silvia Bertolotti: How do you see the future of the “laptop music”?

Aoki Takamasa: I think laptop is just one of these tools. It is just a portable. Computers brought huge opportunities to people like me who don’t have any musical knowledge. I don't think I would make music if computer didn’t exist. I think there will be more more people without any musical knowledge who will start making music and then will share it with everybody and communicate with many people around the world without using so to many languages.

Silvia Bertolotti: We saw that in the last years so many software-based virtual studio environments have emerged and such tools provide cost-effective alternatives to typical hardware-based production studios, making now possible the creation of high quality music using little more than a single laptop computer. This somehow democratized the creation of music, so a lot of home produced electronic music is now available for a wider public. What do you think about it?

Aoki Takamasa: This phenomenon surely helped a lot of people to spread music out through this planet, so that now this planet is filled with various kinds of sounds. And I think it is really wonderful. After all, making art is an essential part of the human nature.

Silvia Bertolotti: You collaborated with very famous Japanese artists like Ryochi Kurokawa, Ryiuchi Sakamoto and Tujiko Noriko and you confront with their different artistic styles. What do you think is the most interesting and stimulating interaction in terms of artistic expression?

Aoki Takamasa: At the moment, above all Rhythm and Photography can better adapt to my expressive style.

Silvia Bertolotti: How do you create your music? I mean, does the first inspiration come from the software or the technology set, the experience of the rhythm itself or from a musical idea?

Aoki Takamasa: My first idea comes always suddendly and in form of rhythm. Then I try to focus on making sounds that reflect the same structure I thought of, so that they are put together in the right position and timing, in order to create a good groove. I want to make the right atmosphere using two speakers vibrating in the air to make people feel like dancing. I think this is my source of inspiration now.

Silvia Bertolotti: Laptop music offers infinite possibilities in terms of sounds. How do you select your sound among these wide ranges of choices?

Aoki Takamasa: I simply try to make sounds that make me feel excited and comfortable and can calm me down.

Silvia Bertolotti: Any plans for the future? Are you currently working on something new?

Aoki Takamasa:In this period I’m actually working on a new project. Something much more simple than what I’ve made before. But I don’t wanto to anticipate too much.

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SOUNDS BEYOND GRAVITY (2010)

2010-08-20T21:04:00.000+02:00

1) INIZIAZIONE

Penso alla nascita come qualcosa di estremamente violento. Un’esplosione sott’acqua, un movimento della terra.
Ogni inizio ha in sé qualcosa di terribilmente sacro.
Un corpo che diventa voce. Che diventa canto.
Prima di poter iniziare il canto devo poter aprire gli occhi. Di nuovo. Per la prima volta. L’acqua ha intriso il mio corpo, il mio viso, il mio respiro, il buio intorno ai miei occhi. Cinta d’acqua. Senza nessun appiglio alla terra. Nessun punto di appoggio. Sospesa. Nessun punto di contatto.
Ho nuotato all’interno di me stessa. Ho esplorato la mia profondità.
L’ho varcata, con gli occhi e le mani aperte.
Un piccolo abisso si rivolta nel mio grembo.
Mi hanno dipinto con un profilo di mercurio.
L’età antica, il gesto primordiale.
Prima di ogni atto di nascita.
Al principio ogni cosa diventa battito, implosione, palpito. Tutto accade quaggiù.
Non ho bisogno di conoscere le mie origini.
Tutto si rigenera e si crea in questo istante.
Non guarderò più allo stesso modo. Lo sai?
La luce filtra attraverso lo specchio d’acqua. Un prisma magnetico e senza nome.
Trasparente come la pietra.
Prima di poter iniziare il mio canto devo guardare di nuovo.
Apro gli occhi. Erano chiusi? Riemergo. Piccole gocce d’acqua scivolano sul mio viso, s’insinuano tra le ombre delle palpebre, là dove tutto si sfiora e accade.
Si posano sulle labbra.
Gocce, frammenti, specchi.
Sono lacrime quelle che scorrono sulla mia pelle scoperta? Rugiada? Di quale mattino?
Il mio corpo è teso. Pronto. Sono in piedi. Vivo, vivo, semplicemente vivo.
Ho dimenticato tutto. Ho cancellato la mia memoria e imploro un nuovo passato.
Le ombre e i colori sono dietro di me. Gli antichi passi.
Il mio corpo è ancora bagnato dalla prima luce, dalla prima alba crudele e confusa.
Ora sono pronta per uscire.

2) CANTO

Sprigiono eternità da ogni fessura della pelle e del respiro.
Bisogna chiudere gli occhi per poter cantare?
Quali fibre, quali muscoli, devono vibrare? Conosciamo davvero il principio della storia? Chi la scrisse? Chi la inventò? Chi la tramandò?
Ancora non ricordo. Coperta di voce, sono ammutolita. Sette secondi di suono ininterrotto. Sfiorare gli spazi, la vita nascosta sotto la mia pelle.
Sfregio il tempo con la mia risata.
La parola avvolse il mondo. La voce era il suo tempio.
Sciolgo i capelli. Pesano sulle spalle. Le braccia stese lungo i fianchi.
Devo raccontare quello che accade. Devo incorniciare queste visioni.
Da dove sgorgherà il mio canto, se non da una sorgente ignota, bollente, gravida.
Le melodie sono tante, s’intrecciano e si avvolgono alle mie dita.
Come se tenessi stretta una candela, in realtà stringo ombre, tiepide e luminose.
Prima di arrivare qui non mi ricordo chi fossi. Posavo lo sguardo attorno a me. Distratto, inquieto. Intorno alla città si ergeva un muro alto, indecifrabile, muto. Era il mio ultimo ricordo prima di rinascere, credo. Ed io camminavo da un confine all’altro.
E poi eccomi. Prima ero in bianco e nero. Ora sono diventata arcobaleno.
Un arco posato sul cielo. Improvvisamente non ho più nulla da temere. Ora so chi sono.
Iniziai il mio canto, prima sommesso poi sempre più fluido e intenso. Sempre più colorato di luce, di voce, di spazio.
Cantavo di mille storie, colori, altri suoni, altri luoghi. Mondi liquidi, cristallini, dalle pareti di sogno e carta. Granelli di sabbia colorata con cui intrecciare pianeti.
Tutto ruota. Le forme cambiavano costantemente, si tuffavano le une nelle altre, per riformarsi ogni volta incandescenti. Le mie mani erano fiori che avevo strappato.
Mi avevano parlato tante volte della terra, ma non ci avevo mai camminato sopra.
Scoprì che il corpo vibra, le corde attraversano la pelle, il canto sgorga direttamente dalla mia pancia, spinto fuori dai miei polmoni come una bolla di sapone. Soffiavo, creavo, cantavo.
Chiudevo gli occhi e li riaprivo sulla mia rinascita.

3) ESORCISMO

Le stesse stelle che abbiamo condiviso.
Era come spogliarsi della propria pelle e indossare un nuovo respiro. Perfettamente aderente. Non era più la stessa città. Riuscivo a muovere le mani.
Piccoli frammenti di rugiada dolciastra e dal colore azzurro gocciolavano dalle dita.
Come trasformare il corpo di una donna in notte? Come colorarla con cera e colori di mercurio? Ibisco e fiori di roccia.
Ogni cosa respirava. Il respiro attraversa ogni cosa. Ero seduta, gambe incrociate sulla riva di sabbia. Appoggiandomi a terra mi sollevai sulle braccia. Le mie gambe erano di nuovo stabili, ferme. Il mio vestito ondeggiava al vento opaco, come contenesse delle ombre al suo interno. Ombre. L’angolo della bocca.
Un sorriso rinato, accudito ora fra le mani. Mi voltai. La casa si vedeva in lontananza. Avevo voglia di danzare per lasciar parlare solo il movimento. Attraverso di me. Cosa cercavo di ricordare? Un sasso lanciato dopo l’altro, riva dopo riva.
Ogni volta il sasso si infrangeva contro la sabbia.
Ero di nuovo qui. Per la prima volta ero partita. Valigie di carta, cartoline al neon, le strade sembravano scomparire ad ogni gesto, come uno scenario inventato che veniva cancellato a mano.
La città là fuori. I mille volti, i rumori incomprensibili. Gli occhi aperti, aperti. Quasi a voler scavalcare tutto per appoggiarsi lassù, nel cielo, come un arco.

PURPLE BEAT (2010)

2010-05-24T18:19:00.000+02:00

Quale atto di magia per trasformare il corpo di una donna in notte…?

Lei al centro.

E io attorno del suo palpito d'ombra

Sono al centro dell'oscurita', al centro di un cuore indaco che batte sommesso.

Le nostre mani intrecciate non riescono a fendere questo sipario di suono.

Cosa c'é oltre il fremere del tuo profilo impaurito e ardente?

La tela, la materia dei nostri giorni, testimoni di luce.

La pelle che sfioro ebbro di vita.

Un bracciale dorato intorno ai nostri occhi, per chiuderli ancora di più e riaprirli sul nostro risveglio,

il nostro salto nel mattino eterno di colore.

DREAMING NEGEV (2009)

2010-03-11T22:22:00.000+01:00

DEAD SEA

Woman aquatic womb.
The unfinished and the leaving are watching the entrance.
An abyss between the hands.
Neon dawn into the silence.
The first light, the first breathe.
I still have fires in the transparence.
Traces of lacks.
A push raises me up toward the luminescent.
Burning effluvium.
An hand in the water.
Where were you while I was walking on the earth?
An arm diving.
The wind hanged at the forhead.
The blue is burning.
The black eyes child, his hands are fins.
A coral with steel tops. The crystal seems like glass scattered on the ground.
Woman aquatic womb.
You touched me.
I remember when you were swimming around me.
Impalpable, deep.

JERUSALEM

The swinging wake. The night is dwelling, warm and lost.
“I will lift up my eyes”…confident and safe. Now.
“I will lift up my eyes”.
Unto the hills, unto the streets. Overfloating the roofs. The night is dwelling, warm and lost.
The burning gold, blending into the long chants. Rocks tripping up my steps, paths, I’m walking along the dark figures, marmoreal footsteps.
Wrapped around myself, thighting beyond me.
The golden scent. I lean to this wall. I stay. I do. The enlightened lithany poured over the city, around me.
My hands are willing…lifting up my eyes, I repeat to myself, tears of gold, and my eyes are up the dark.
My forhead sustained by the fresh stone. No more need to stand.
The tears are wamer then ever. Glittering.
A mirror, an ancient story, a candle overlooking the never sleepings homes, wakes and prayers.

NEGEV

Faisant semblant de n’être pas là.
Le vent qui génére et qui râvit.
Empreintes de vent, le sable accueille éstathique, le silence. Le premier homme qui écoute et qui n’ose pas proférer Parole.
Dispersés et retrouvé, autour de soi mêmes, autour au même circle vide.
Au centre de moi et de l’espace.
La danse dérisoire de l’infini qui remplit et désoriente.
Il n’y a pas de place pour la Parole.
Que le silence, a côté duquel se faire étroits et ubiquitaires.
On marche sur la frontière entre soi et le monde.
Mes pieds sur le ciel.
Les pièrres se font oreilles. Le silence est assourdissant.
Poudre de pierres et étoiles.

SUB-WORD (2009)

2010-03-11T10:25:00.000+01:00

A water monologue for Voice, Actor and Audience
(with an Epilogue…)

EARTH PROLOGUE

Polvere di pietra. Le stelle. L’oscurità. Partimmo nel cuore della notte. Il silenzio quasi mi investì come un’onda. Era materia spessa. Procedemmo. I passi risuonavano sempre più remoti. Le ultime luci della città si allontanano. Pronto ad entrare?

Pronto ad immergere il braccio?

La mano si tende, la voglio stringere, forte come non mai. Ricordi? Visione, la chiamavi.

Questo raccontare silenzioso e assopito. Felici. Come nascono le danze nella notte del Racconto. Recitato. Sono molte più di mille. La logica non appartiene alla fuga delle stagioni. E il valzer dei tempi andati. La notte di quell’estate vicina, come un sogno, ti avrebbe rapito.

Per un ascolto, per un ascolto solamente.

Ciò che ora so è solo una storia. E la notte che l’accompagna.

MONOLOGUE

L’attore entra silenzioso. Passo dopo passo. Il teatro era semivuoto. Il pavimento di legno scricchiola od ogni suo movimento. Chiuse gli occhi e mormora qualcosa tra sé e sé. Le luci si spengono del tutto. Solo il palcoscenico resta illuminato parzialmente. Un riflettore: lui continua a camminare, passando tra file di poltrone vuote.

Ancora due gradini e poi sarebbe salito sulla scena. Lo spettacolo sarebbe cominciato: la sua voce avrebbe raccontato, sofferto, rivissuto quella storia, mentre il suo corpo sarebbe sprofondato tra le immagini che le sue parole avrebbero risvegliato. Recitare, ogni volta un rituale intimo e comunitario.

Ogni volta una nuova scoperta.

THE VOICE:

Entrando nell’Acqua mi ritrovai su un palcoscenico.

Un attore che esce di scena. Ripone le vesti sulle pareti di sogno.

Rimango io, una voce, disorientata e rapita.

Il palcoscenico è abbandonato, solo ombre attorno e le luci del riflettore al centro.

Entro nella stanza del sogno. La Voce si aggira circospetta.

Tutto accadrà d’ora in poi al centro del palco.

Vi racconterò di una musica lenta che improvvisa dischiuse il suo silenzio.

Geografia di istinti, di riverberi. Di ghiacci e di notti. Di note, come oceani ripiegati.

La mia notte ha quattro pareti. E al centro sempre il palco.

Sarò sepolta nella forma di una mano. Come un raggio che incide il suo codice segreto sulla copertina di un libro. Scomparso.

- Sento la mia voce – Il brivido spezza la notte
- Sento la mia voce – Metallica apparizione.

La sorpresa di non averti mai visto. Ti attendevo. Se potessi danzare, ora.

I tuoi gesti appesi alle ombre dei suoni, la prossima sera.

Un’altra replica.

Nuoto e continuo a nuotare.

Faccio una giravolta fra lenzuola blu e muri d’argento – ricordo ancora i tuoi occhi neri – come il fumo di una sigaretta nel vento senza risposta.

Se ora potessi descrivere il vuoto di questa estasi silenziosa, ora che l’attore se n’è andato.

Una volta ho imparato a piangere, a sentire, come anche le pareti possano essere gelide come venti, melodie frantumate, vetri esplosi, come questa coperta che manca di calore...

Se sapessi come anch’io trovare il mio grido di sabbia nella stanza viola.

La tenda. Il grido muto.

Ormai le parole che non ho speso, appassirnno su questo pavimento.

Profilo fluorescente.

Non vogliamo più conservarci in noi stessi. Resta un minuto per raccogliere il respiro. Che non è più lo stesso.

Cammina una Voce?

I miei passi si avvolgono come cenere incastonata fra le dita. Credo che anche una pietra posta sulle tue magie, potrebbe sfondare il roteare ipnotico del disco, prigioniero di quel viso senza ombre.

I gesti dipinti, come acque sottili, come quando volevi rievocare un presente ancora troppo presente.

Sogno sogno, richiamo e della litania. Riesci a sentire?

Sono la voce. La voce del mentitore.

THE AUDIENCE:

Quando trovavo il posto, sedevo quieto e contento. Ricordavo il sogno e cercavo di recuperare i pezzi perduti. L’avevo preso. Mi sembrava allora che tutti gli orologi del mondo suonassero all’unisono per il miracolo, come suonavano a mezzanotte per tutte le metamorfosi. Era davvero sincronizzato il sogno. Il miracolo compiuto.

Tutti gli orologi suonavano a mezzanotte per la metamorfosi. Non era l’ora che suonavano, ma la conquista. Il raggiungimento del sogno.

Il Sogno correva sempre avanti. Raggiungerlo, vivere per un attimo all’unisono con esso: questo era il miracolo.

La vita del palcoscenico, la vita della leggenda s’incastonavano col giorno, e da questa unione sprizzavano gli eterni momenti.

THE ACTOR:

Era solo un attore.

La sua vita, recitare. Le pareti si fanno spesse come i silenzi. Muove i primi passi attraverso il teatro. La sala è buia, ogni elemento in essa sembra indistinguibile: le file di poltrone, il pavimento, il sipario laggiù e la scena.

Respiri di velluto.

Bisogna respirare, con la bocca. Ritmicamente.

Tutto sembra lontano, come rapito. O nascosto. Camminava tra intervalli di vetro. Passi al neon. -Le tue mani troppo lontane, dalla riva, da me-. Socchiude gli occhi e prova a concentrarsi sulle parole, sul monologo che dovrà recitare. Respirare. Tutto continua a sprofondare nell’oscurità, lui con essa. E si immerge in questo denso e umido silenzio.

Il momento prima.

La mano che sfiora l’acqua e penetra al suo interno. Non si possono levare gli occhi più in alto. Vibrazioni interne, come bagliori elettrici. Un riflettore. Una luminescenza marina. Sbocciano sulle sue labbra piccoli tremiti.

Freddo. Concentrazione e allo stesso tempo abbandono.

-“Non è mai stato così facile essere se stesso”-. Quaggiù nelle profondità di una materia che penetra, plasma, forma e scioglie.

-“Non è mai stato così facile credere al Sogno, ritrovare me stesso e nuotare”-.

Le parole sembrano uscire da sé, mentre ascolta. Mentre si alza da terra, sa che non c’è più bisogno di stare in ginocchio. Ora si può alzare.

Ora sta parlando. E la parola passa davanti a lui, sul fondale del Sogno.
Non ci sono più pareti a cui poggiarsi.

Era salito sul palco senza accorgersene. Aveva cominciato a recitare. Monologo.

Prologo della realtà.

Cosa?

Cosa ancora si può dire quando è un silenzio sommerso ad esploderti dentro?

Una mano li sfiora. Una carezza fra i capelli o un gesto involontario.

Un albero senza radici. Anche le piante fluttuano.

Un corpo senza più peso. Un personaggio senza interprete.

I profeti andarono nel deserto per ascoltare, a pronunciare poi la Parola.

Ora quassù, i suoi piedi a contatto col legno.

Rimane solo la Voce che sussurra viva, vibra trafiggente, sommerge.
La Voce si insinua nelle profondità, danza in superficie, il suono prende corpo, si genera e genera incanto, apparizione. Emergere. Il miracolo del mondo.

Un’immergersi sempre più a fondo per poi sentirsi trasportati oltre, come lui prima, in ginocchio sopra il palco.

Il legno è sempre fresco. Elastico, come permeato d’acqua.

Respira ancora. Con la bocca. Ritmicamente.

-“Vorrei incontrarti qui, sott’acqua per poterti salutare con la mano, respirare all’unisono, un unico ritmo”-. E comincia a veder fra la platea volti, profili. Gli spettatori sono seduti sulle poltrone. Ascoltano attenti.

Anch’essi emergono come scolpiti dalla luce, come le sue parole poco fa.

Vi sto parlando. La Voce è diventata la mia parola.

Sono al centro della scena.

Il monologo è iniziato.

THE EPILOGUE…

Nel fondale blu cobalto, di questo oceano in forma di spirale, si vedono immagini muoversi, svanire, evaporare.

Si può provare a toccarle, ma di quel gesto rimane un vuoto riverbero. Acqua?

In queste immensità marine tutto si sovrappone, fino a perdersi all’infinito. Sembra tutto foderato di seta umida.

Frammenti di sè, come onde di vita violenta e teatrale.

Ora non è affatto il sogno né la luce del giorno. E’ il fondale marino, è il crepuscolo della mia coscienza. E’ il momento in cui non si è ancora svegli e tutto è avvolto dal silenzio, persine le mille braccia tese verso il cielo; luogo così profondo che mancava il respiro e cominciava la profezia.

E’ proprio qui che accade ogni cosa, al centro di una conchiglia di velluto, nel liquido amniotico che si nasconde dietro le palpebre, dietro il sipario delle parole.

Cambia forma, é la metamorfosi, cosi’ si rinasce magma, ci si espande come cellula, come organismo degli abissi. Tutto è blu, tutto è viola, tranne queste evanescenze luminose cosparse col fiato. Oh avere labbra, membra…Qui non esiste forza! Solo sospensione, solo trasporto, solo abbandono.

Questo è il regno dimenticato della volontà e della coscienza. Questo è il nodo segreto delle acque. Il midollo della notte che ondeggiava. Cellule di respiro, i contorni del corpo si dissolvono. I profili nuotano come visioni che cercano di aderire alla parete della memoria, ma niente si può ricordare qui.

Questo è l’involucro del sogno e ormeggiano tutti i gesti lasciati sotto i riflettori.

Non c’è più spazio per raccontare.

Ritorniamo in noi stessi, lontano dal sogno e dalle acque.

Tutto è sincronizzato.

CUORE OSCURO (2009)

2010-03-11T10:24:00.000+01:00

Ora prima 00:00 am The city

E’ proprio una metropoli quella che abbiamo sotto gli occhi.

La città ai nostri piedi, intorno ai noi. E’ mezzanotte. Un incandescente agglomerato di luci e buio. In torsione elettrica. Come vene luminose di un unico corpo buio.
Le membra si allungano, si perdono e si contorcono. Le strade si intrecciano come stringhe punteggiate di luci, come arterie elettriche dove scorre la nuova notte da raccontare.
Anche nel mio petto si srotola la stessa eccitata segretezza.
Racconti nel buio, le ore che gocciolano ad ogni battito di palpebra, mille cuori che palpitano su se stessi.
La possiamo guardare dall’alto la città, oppure addentrarci nel caos imprigionato in incroci e strade.
Possiamo farne quello che vogliamo. Possiamo persino assaporarne il lento mistero e la riluttanza a comparire.
Tutto ciò che sta dietro il sipario, inginocchiato, sussurrato.
Per chi ha voglia di ascoltare veramente e di raccontare, un giorno.
Raccogliere e trasmettere contraddizioni. Raccogliere e comunicare bisogni. Raccogliere e svelare segreti.
Le voci inconfessate, i silenzi, i gesti dimenticati, le camere abbandonate, le solitudini di vetro, le pieghe di questo cuore oscuro che è la nostra notte.

Ora Seconda 01:00 am The road

Il cemento scorre, avvolto nel buio. Come lava congelata, se lo tocchi graffia. Solo una parte ne emerge, illuminata dal faro anteriore dell’auto.
Più veloce, più veloce.
La parte di strada illuminata trema, vibra e continua a scorrere.
Fa male.
Il mio battito cardiaco si inabissa sempre di più nell’oscurità che ho davanti e continua ad essere graffiato dall’asfalto. Il motore, il mio cuore, le mie mani che premono contro le tempie e il pulsare si fa sempre più metallico, più profondo, più carnale.
Più veloce, più veloce.
La strada continua sfrecciare via, i contorni sono sempre più irriconoscibili, la notte sembra divorare ogni porzione di chiarore che mi serve per procedere.
Non ho nessuna voglia di arrivare in un punto che non conosco nemmeno. Voglio correre nel centro della notte, nel suo cuore oscuro e sentirlo battere come il sangue nelle mie vene, lungo le braccia, dentro i polsi, sparso in chiazze bollenti sul cemento.

Ora terza: 02:00 am The Voice

Now that I‘ve found you and seen behind those eyes, how can I carry on? (Undenied)

Hanno lasciato la porta aperta. Una luce blu esce dalla stanza. Un basso profondo e ritmato. Le vibrazioni scorrono lungo il pavimento, contro le pareti, dentro il ventre.
Il ritmo è ipnotico e ossessivo. Le cadenze sono profonde, lente.
I bassi fanno tremare le zone più oscure del mio corpo. Come un’eco soffocata e viscerale. Il mio cuore oscuro ha incominciato a battere.
Sangue nero. La lava purpurea.
Tutti i segreti della terra nel grembo narcotico della notte.
Lei al centro. I capelli ricadono su un lato del viso.
Una maglietta nera. Lo sguardo perso a terra e avvolto da fumi blu.
I tratti del suo viso,gettati fra le ombre.
E’ china sul microfono. Vi si appoggia e lo sprofonda nel buio.
L’aria è intrisa della sua lacerante malinconia. La sua voce ritaglia le uniche zone di chiarore.
Come una melodia che si insinua nelle orecchie. Trafigge. Dritta nel petto. Trafigge.
Ti fa chiudere gli occhi anche se è già buio. Perché non la riesci a sopportare tanta intensità.
Petto che vibra di dolore. La dolcezza infinita della voce che sorvola tutti gli abissi di tristezza. Dolore arterioso e ostinato. La passione si scioglie fra i fumi, nella gola, sulle palpebre.
Continua a cantare su questa musica magnetica.
E io sono già in ginocchio ad implorare il suo amore.

Ora quarta: 03:00 am The kiss

Ci vuole un atto di magia nera per trasformare il corpo di una donna in notte…

Notte. Mi risveglio nel cuore della notte. Mai come ora capisco il significato di questa espressione. Il cuore della notte.
Sono al centro dell’oscurità, al centro del suo palpito attutito, che mi accoglie come sabbia blu.
Sento lo spessore del buio, la densità di questo silenzio e tutto il peso delle tenebre.
I rumori sono sprofondati.
Sempre più al centro.
Cosa c’è oltre l’oscurità. Un cuore indaco che batte sommesso. Una sorta di litania lenta e ipnotica. Tutto è assorbito dal silenzio, inchiostro caldo che si riversa sulla mente. Ogni movimento viene inghiottito.
I miei occhi non riescono a fendere questo sipario oscuro.

Le mie labbra incontrano il suo viso, la sua pelle tiepida e liscia.
Scivolano fino ad incontrare le labbra, morbido velluto scarlatto.
Un bacio, in cui le bocche si avvolgono e si sciolgono. Un calore silenzioso si sprigiona tra le nostra labbra. Cola, liquido magmatico. Il sapore metallico del sangue.
Miele incandescente, come lava oscura che mi riporta alla stessa, profonda, muta oscurità della notte. Del suo cuore oscuro.
Ferito.

Ora quinta: 04:00 am The Sleep

Una tv è accesa nella stanza vuota.
Lo schermo proietta intorno il suo chiarore elettrico. Come delle onde blu.
Ci avviciniamo.
Si vede un uomo assopito.
Avvolto in una coperta di buio, sente le mie gambe calde e i piedi che hanno solo il vuoto sotto di essi. Il suo corpo è pesante, denso come le ombre che gli pendono intorno. Si rivolto in questo spazio di mercurio. La mia pelle scotta.
Ho perso ogni senso dell’orientamento. Anche la distinzione fra pieno e vuoto si fa difficile…Il suo respiro è lento, aritmico e come vapore si stende sul suo corpo.
Sta sprofondando al centro di se stesso. Anche se rimane in realtà immobile sul letto. Sempre più buio. Sempre più caldo. Sempre più oscuro. Come se fosse risucchiato nel cuore oscuro del suo sonno.
Non chiamatela notte. Mentre allunga il braccio, un brivido risale sulla sua schiena e un bruciore lo immobilizza. Sente un 0altra presenza che si insinua fra queste pieghe di incoscienza. Il mio corpo narcotizzato.
Si stende, si ritrae, si contrae, si scioglie, vibra. Incandescenza color petrolio.
La fronte brucia, le labbra pure.
“Riavvolgimi di buio, ricoprimi, riportami nel mio ventre, raccoglimi e risucchiami.
La coperta di notte su di noi”.
Improvvisamente si desta. Si gira. Ci guarda attraverso lo schermo.

Ora sesta: 05:00 The Eye

Una stanza immersa nel buio. Una telecamera. Guarda. Viola questo silenzio. Vuole scrutare. Scoprire. Osservare. Registrare ogni movimento. L’occhio di vetro ruota su se stessa, si piega e si inarca. Desiderio di metallo. Si insinua provocante e brutale.
Un letto al centro. Le pareti sono spoglie. Una finestra con i vetri aperti. Un quadro. Una porta. Nell’angolo di destra solo un tavolo nero e una sedia. Un computer in stand by e un libro aperto.
Un letto al centro. La donna è sdraiata. Dorme profondamente. Si avvicina. Primo piano. I capelli cadono sul viso. Il respiro è lento. Indossa una maglietta viola. Scorre lungo il corpo. Le braccia sono abbandonate. Si allontana.
La stanza ripresa dall’alto. Senza il caos dei dettagli.
Silenzio ricopre tutto e sembra nascondere le superfici degli oggetti. Ruota ancora. Il letto è il centro di gravità. Lungo la parete, al bordo del soffitto. Le prospettive si invertono. Si capovolgono. Ma tutto converge intorno al cuore oscuro della stanza che è il buio.
La vittoria della notte. Avanza lenta. Zoom sulle pagine del libro. Ritorno in alto sul soffitto. E’ lungo da percorre da un’estremità all’altra, lentamente, lentamente.
Il respiro del sonno si fa più sommesso. Si volta improvvisamente.
La donna si è girata. Il letto comincia a sprofondare sempre di più nell’oscurità, si confonde con le pareti, con il pavimento, con i capelli, con il soffitto, con la stanza, con la notte, con la notte e…non si riesco più a riprendere tutto…tutto ruota, vortica intorno…frammenti di vetro a terra.
Rec. Stop.

Ora settima: 06:00 The dawn

We shall resist until the day I’ll die.

Fra poco sarà l’alba. Fra poco ci risveglieremo, fra poco apriremo gli occhi.
Sarà una nuova creazione, prima della luce stessa.
Cosa resterà di questo buio, il calore della notte che scomparirà.
Ma il suo cuore oscuro si aprirà, come una rosa, come una bocca.
E sarà assetata, di un’altra storia, di un altro vagare. Il suo volto è pallido, sa che non potrà sopportare il giorno.
In quest’ora i colori sono ancora confusi. Sono fatti di sogno e di veglia. Ci sono immagini appese alla porta. La mano passa fra i capelli, si inumidisce la labbra. Afferra con la mano qualcosa che non c’è.
C’è un’aria strana, di perdita, di abbandono. Qualcosa che se ne sta andando. E qualcosa che si fa già ricordo. Ma non è ancora l’ora. E’ quella precede. Un’aria di lutto. Dov’è la donna? Mi sembra di sentire ancora la sua voce. E la città si è già svegliata? Si è già spenta? L’uomo si è destato dal suo sonno? Si sfiora la bocca. Ha perso il suo bacio. Ci sono ancora vetri sul pavimento?
Tutto sbiadisce, l’incedere della luce.
Un debole raggio che entra dalla finestra cade sulle sue mani. E scopre una piccola macchia di sangue. Sembra blu.

ICARUS (2008)

2010-03-11T10:23:00.000+01:00

Questa lunga notte da raccontare.
C’è sempre una storia da raccontare, pronta per essere letta, ascoltata, imparata a memoria, come bambini che cantano le loro litanie impazzite.
Questa è la mia notte. Voglio scrivere il mio grido ellittico come una fune sospesa.
Da un tempo all’altro, da un luogo all’altro, in molte e altre ora, alcune sconosciute, alcune già vissute, altre solo immaginate. In ogni caso, voglio iniziare il mio racconto.
E’ come uno specchio d’acqua, uno schermo che illumina il buio della stanza.
Ho provato molte volte ad alzarmi dalla sedia, muovere i passi, piedi nudi sul pavimento. Gesti lanciati nel silenzio. Ora sono piegata davanti alla storia. Al racconto da porgere, da donare, da raccogliere, da svelare.
Lancio le mie parole contro le stelle, contro il cielo, appeso lì fuori dalla finestra.
Una stanza spalancata su un mare di ore, un groviglio di visioni. Tic tic tac. I tasti che scoppiettano al buio. Ticchettio di lacrime che cadono. Mi inventerò questa notte.
Quando tutti ascoltano. Quando tutti respirano.
E io comincio a cantare.

- Icarus night (PART 1)
Del volo. Della caduta. Del respiro.
La sagoma nera cominciò il suo folle cammino fra le stelle, ubriaco di visoni & strade. Il suo volo era come un grido, che graffiava il blu della notte metropolitana. Le sue labbra di cera sfioravano l’aria. Senza nemmeno che se ne accorgesse era cominciato il suo volo-precipizio.
Mani arse dalla sete e la lingua bruciata dal sale.
Trapanava il cielo come le sue rabbie e il suo sangue lunare.
Arco spezzato dalla furia del vento e delle parole che bruciano, il suo volo era la salvezza, la sua caduta era la sua fuga. Quale direzione in questo grido senza logica e senza direzione?
Icaro perso, Icaro liberato. Angelo dai capelli di metallo. La tua via di incenso e pianti verso il paradiso senza nome.
Nomi che rantolano lungo i profili neri dei grattacieli, le strade che si annodano come ombre & nervi intrecciati nel loro urlo di addio alla terra.
Il vento contro i vetri. Finestre agitate, graffiate da lacrime appassite. Le parole che non ti ho detto.
Il mio volo sarà come una trapunta di pianeti roteanti & sorridenti. Per la prossima alba. Per la prossima alba.

Icaro vola. Non si sa se stia cadendo o sollevandosi in volo. Si libra nell’aria o presto raggiungerà i suoi sogni affogati nella pozzanghera?
Icaro, parole di cera, desideri fumanti e labbra di fuoco.
Mi ricordo il primo giorno che lo incontrai, le mani nelle tasche, occhi da bambino, voce da padre. Santo vagabondo, pazzo d’amore. Rovesciava i suoi passi sulle strade troppo pesanti per lui. Affondava la sua crudeltà fra una via e l’altra, come gli interstizi delle sue illusioni rabbiose.
Un giorno salì sul tetto del palazzo, sul promontorio di un tempo antico. Chiuse gli occhi accecato dal sole invisibile della visione, dalla luce calda, sangue giallo, linfa velenosa. Cera da plasmare con lo sguardo, come un’amante liquida e sensuale.
Chiuse gli occhi, sull’orlo della vertigine colorata. Il sogno squarciato. Stelle appuntite conficcate nella carne. Brividi come onde di metallo che scorrevano in una corsa roteante fra i cieli.
Il volo. La caduta. Il respiro.
Cos’è accaduto? Lasciami prendere il tuo volto fra le mie mani.......
Icaro nel blu.
Una coperta di oceano, la fissità degli occhi sotto il mare, il cuore umido della malinconia. Le stelle appuntite, lamine di luce incoronano il suo passaggio, il corteo delle sue tristezze e lo sciame dei pensieri incorniciati dal lungo volo. Battito d’ali, melodia di foglie trasparenti, palpebre socchiuse e gocciolanti tremori. Le braccia tese, abbracciano tutto l’amore della terra.
Getto il mio volo, tendo il mio grido fra una promessa e un cielo. Le pagine bagnate che sorseggiano inchiostro, lo stesso blu che scorre e scivola sullo sfondo del mio precipizio. Mi appoggio ai pianeti, una corda invisibile fra le labbra, come lo stelo di una vita passata.
Attraverso la città, gli spazi e le tenebre, trafiggo i vuoti come spari muti, rivoli di colore appesi all’orizzonte. Vestito di stracci, di jazz, di umori, di pause interstellari fra le dita.
Icaro che piange, ride come un bambino impazzito, lacrima come una rosa buia.
Quelle tracce di luce che pendono dalla mia finestra. Alone bluastro, lo specchio delle mie parole, questa notte, l’ultima notte, il mio schermo acceso.
Tic tic tac. Piango la tua caduta, Icaro. Mi tendo e raccolgo accanto all’enigma del tuo inginocchiarti fra le stelle, nel tuo osare fra i cieli, il faut tenter de vivre, di volare, di respirare.
Bisogna saper giocare, sputare sorrisi dal proprio davanzale sospeso sulla vita, bisogna sorridere e pattinare sopra i fogli stanchi e intrisi di inchiostro, lacrime, ferite, le macchie di colore su un quadro fatto di buio.
Una storia raccontata dalle mani che tremano, dalle dita calde, dalla pelle in attesa. Le mani si intingono nel colore, bevo ogni ora della notte, della mia notte.
La storia inclinata, spezzata, ripiegata in fondo ad una tasca, l’angolo buio della tela, il tuo cuore rosso come uno sparo di pennello. Tic tic tac, erano colpi di pistola? Palpito d’ali? Schiudersi di atomi all’imbrunire, come fiori di carne? Erano le mie dita che cercano le ombre, il ricordo di te fra le ore, galleggiante, eco liquida della tua caduta. Erano le mie mani sulla tastiera, che si muovevano ipnotiche e febbricitanti, come se tremassero di paura o di desiderio.
Erano gocce di mercurio.
Erano le biglie che rotolavano sul pavimento. Erano le pietre della tua memoria che cadevano con te dai tetti delle case, frantumi di antichi palazzi di sabbia, che ora possiamo tenere persino nel palmo di una mano. Le antiche glorie. Non sai che fartene di queste immagini. Nel vuoto tutto si fa rapido. Nella caduta tutto si fa elegante e elementare. Fuggitivo e supremo.
Come la pioggia.
Come la tua figura tagliata nell’ombra che ancora nuota nel blu. Nelle braccia dallo sfondo turchese e impenetrabile. Respiri, cadi, stai precipitando verso il tuo volo.
Quando tu danzi, io posso cantare.

Icarus flight Dance (PART II)

Riverberi di acciaio.
Inizia la notte adamantina, intagliata tra i corpi degli amanti e degli strumenti musicali. Icaro si aggirava circospetto e silenzioso, chissà cosa nascondeva sotto il suo cappotto nero. Il polso premeva, esplodevano le tempie. Avanzava lentamente. Il suo passo deciso sembrava scivolare lungo i muri, al centro delle stanze, lungo i profili delle conversazioni. Il metallo sulla pelle luccicava, come una stella conficcata all’imbrunire. I vestiti scuri, denti bianchi e capelli al vento.
Non importa dove, non importa cosa. Corde graffiate, premute contro il ventre.
Il fiato stanco e caldo scorreva sulle mani. Battito, ritmo socchiuso ancora eppure galleggiante. I passi scottavano.
I muscoli fremevano. Ancora scorci di dialoghi, angoli di discorsi opachi e spumeggianti. Le pareti ondeggiavano, dritte e rigide. Ancora avanti, non so per quanto. Il silenzio degli sguardi, le lancette degli orologi si rincorrevano e si staccavano, una dopo l’altra.
Note liquide di un contrabbasso. Mi ricordo di te quella sera. Icaro che voleva ritornare. Icaro partito troppo presto. Non importa dove, non importa per quanto a lungo.
Occhi viola. Labbra di lava. Doveva cominciare. Tastavi il silenzio, assaporavi l’oscurità a sorsate, lunghe e profonde, incanto degli occhi chiusi, stretti intorno alla notte.
Le tue dita erano le catene che imprigionavano la musica. Cosa stringevi? Tienimi stretto, avvolgimi col tuo sangue bollente, con le tue braccia di ebano.
I tuoi occhi scivolavano dalle mie mani, colate di luna. Non importa più come, vero?
Icaro inizia a danzare, a fuggire a rapire a tornare a trapassare la mia bocca.
Il ritmo si solleva, la batteria comincia a scappare tra le pareti, folleggiano i visi, le schiene e i sussurri. La carne comincia a tremare, i vestiti si ripiegano si contorcono come solchi incisi sulla sabbia. Icaro sta danzando, la notte sacra che bagna la nostra fronte. Come trattenerti, non appartieni più alla mia storia, tu esule dai pianti incatramati della città.
Le tue labbra disegnano cerchi, le tue braccia tracciano le orbite del fuoco e i vuoti siderali si riempiono di vino. Le folle incandescenti si sposano con i silenzi. Trapunte di stelle per nascondere le persone. Le musiche si disperdono al tuo passaggio, il Re della Danza, regno di pioggia, abdico alla felicità.
La sabbia lucente sulla mia fronte.
Preso da un selvaggio e calmo agitarsi, al tempo del respiro.
Pulsazione fra i corpi fra gli spazi.
Una corsa cadenzata, la danza lungo i corridoi dello spazio. E oltre…

Sfugge dalla pagina,i cerchi escono dal bordo…non riesco a tenere aperti gli occhi. Cerco di imitare i tuoi passi sulla mia tastiera, come se le onde avessero un calco che io posso toccare e lungo cui scivolare con le mie dita. Quelle che ora inseguono i tuoi battiti, il tuo muoverti, sulla tastiera del pc, sulle corde.
Ma il mio è un ticchettio di orologio, liquefatto dal ricordo di quel nuotare fra la musica e il corpo.
La tua danza, Icaro, segnala la rotta perduta delle mie parole, frecce bagliori fiaccole…Una pozzanghera di luce ora. Lo schermo fisso e mobile. Spazio cristallino e liquido.
Il mio mare, il suo riflesso. La mia promessa, la tua macchia di colore incantato. Il cuore rosso laggiù.
Siedo qui. Il gomito appoggiato al tavolo. Le mani battono il ritmo sul legno. Se non posso scrivere, cerco di ricordare come faceva quella musica, segno il tempo con le dita, come una percussione silenziosa.
Come i tasti che ora non premo più, il ricordo della tua danza, Icaro..tic tac tac…

SLEEPING OVER JERUSALEM (2008)

2010-03-11T10:22:00.002+01:00

YOM RISHON – La Luce

Ogni volta che perdo la mia voce.
Gerusalemme d’oro. L’immagine di questa città è apparsa nel mio sonno.
Ma quell’immagine di città sta ancora lì. Per quanto mi sforzi di lasciare scorrere il mio sguardo altrove. In realtà sono prigioniero di questa mobilità. Eppure trasparente. Trasparente come un gioco, come una corsa, come i tuoi occhi di allora. Di mai.
Quest’immagine si è spezzata in suoni. Li raccolgo e li accolgo. Li poso accanto a me, ai miei occhi, alle mie mani, alle mie ginocchia. Rimangono comunque qualcosa di leggero e fuori luogo. Decisamente sfasati rispetto…a cosa? A tutto il resto di me.
Un’immagine trasparente e per questo non ho più parole per descriverla, nemmeno per lasciarla andare, nemmeno per abbandonarla come un relitto insabbiato.
E’ sempre lì, impermeabile ad ogni riflesso del sole e della gente. Ma gelosamente custodita nella sua evidenza.
Che fare? Che farne? Datemi un consiglio, solo un cenno con la mano, come quei viandanti stanchi che se ne vanno.
Odissea roteante, cammino, come un’offerta più che musicale, non narrativa. Perdonatemi se non posso raccontarvi storie, ma solo detriti di racconti, nuclei inacessibili di voci. Azioni. Volti. Scaraventati dalla pagina, come gomitoli di translucidi segmenti.
Ma tutti arroventati. Dalla luce.
Non ho una città ai miei piedi fotograficamente trasponibile…ho una Gerusalemme che si stende sotto il mio sonno.
Solo il mio battito folle per una città passata . Incroci mai riusciti di mezze strade ora, la mia giornata sarà più breve di quelle epiche ventiquattro ore.
Verserò passi e suoni stupiti, reali, insidiosi che divoreranno ogni parte del vostro corpo.

YOM SHENI – La Terra

Ogni volta che perdo la mia voce.
Ho vissuto sotto terra finora. Ora sono pronto per riemergere alla Luce. Mi riconosco in un principio di caos che germina come un labirinto scosceso attraverso pietre e sabbia. Muri e colli contornano questo salmo incandescente. Lingue che si accavallano, parole che si avvolgono nei propri interstizi, tra le porte e le ombre.
Chissà cosa devo aver provato a lasciare Gerusalemme, ancora potrei riconoscerne le vie, i vicoli nominate nei taccuini di qualche scrittore.
Ma quanto silenzio sommerso. Cammino anch’io. In quanti capitoli dividere la mia opera? In fondo esiste una poetica dei luoghi…quali scegliere, come ore scandite, di cosa?
Un lento affondare o un magmatico e poliedrico inafferrare continuo?
Si sovrappongono voci, pensieri, battiti, i miei passi
In quelle strade strette, dove dopo il battere polveroso dei sandali, nasceva una speranza per il futuro, una fuga, un richiamo, lì, lì mentre ero sulla terra, quella terra calpestata altre volte, in altre ore, da altri popoli, da altre epoche. In quelle strade strette dove il sole entrava con faticose acrobazie che solo angeli wendersiani saprebbero interpretare.
E quale monologo da offrire? Ora che tanto, tutto, troppo è stato detto o non-detto, ora che il tropico dei pensieri si estende verso zone sempre più insuperabili.
Ogni volta che perdo la mia voce.
I suoni e le voci, formano come un’eco che si posa sulla mia assoluta incapacità di resistere al pianto delle domande. Fragili. Su tutto ciò che io non oso ricordare perché la memoria di quella mobilità mi farebbe troppo male.

YOM SHLOSHI – l’Aria

Ogni volta che perdo la mia voce.
Ora cosa resta di questa città?
Scivola nel mio guardare lontano, lontano, una lontananza che mi sta stringendo, come il pugno che si frantuma in carezza, spezzata, caduta, quando camminavo, la sera e mi sorprendevo a guardare dove un giorno non avrei trovato che un ricordo.
Una preghiera blu come la mia litania di mercurio, invocazione tesa sopra un cielo, avvolto come un telo sopra le mie spalle, il cielo che mi riscalda le membra.
Voglio conservarmi in me stesso. Fermo un minuto. Il mio respiro non è più lo stesso. Il mio sguardo. Sì, il mio sguardo. Ho paura anche a disegnarlo nelle vostre giravolte incantate, bambini, sorridete per tutti i petali arsi, sorridete, per i nostri dolori incatenati alle albe, sorridete anche per i silenzi che incoronano le strade di pietra e i risvegli spalancati su bocche aperte. Mordono l’aria del giorno.
Non ho nulla da temere.
Nel silenzio, questo strano equivocarsi dei crepuscoli.
Sorvegliare, scorgere.

YOM REEVI - L’Acqua

Ogni volta che perdo la mia voce.
Ogni volta vorrei poi riuscire a creare questa casa come se non fosse il mio intervallo perduto, la mia unica trasparenza.
Ogni volta che perdo la mia voce, vorrei raccontare come a volte ondeggiano le sfumature che credo di trattenere.
Trattenere. La suprema ironia del rumore. Tu non cantavi così, però. Ogni volta che perdo la mia voce, sento che potrei svanire come questi suoni scoscesi sull’estate profumata.
Troppe forme affondano spaventate.
Credevo di poterti raccontare dei fili che i miei sogni incatenavano. E tutto mentre aspettavo. Mentre aspettavo. E’ un po’ nascosto, il tuo canto, pensaci bene. Ragazza dagli occhi orientali. Voce profonda di uomo. Quella barba nera. Evocano come giardini i canti. Ami vestirti di echi e di passi sfigurati.
Trattieni silenzi. Sposa questo intervallo. Keep the secret. Deep the silence.

Tutto ciò che questo vuol dire.

YOM HAMISHI – La voce

Ogni volta che perdo la mia voce.
L’immagine di questa città che mi inchioda, mi fissa. Come qualcosa da cui sono incapace di distaccarmi. Quest’immagine mi ha assalito. Accolto. Trafitto. Assediato. Come facesse parte di un passato vissuto, essa mi racchiude e si racchiude su di me, con un’inesorabile dolcezza, quasi mobile, quasi tangibile.
Un basso ostinato, eppure muto, che sospende ogni gesto. Anche questo. Anche la parola mai pronunciata. Qui, la penna. Cerco di assaporare il contorno di ogni cosa che mi circonda. Lasciarlo passare sulle labbra, fra le dita. Scivolarci sopra con gli occhi. I passi del cameriere che strisciano fra i tavoli, rapidi ed efficaci. Il profumo della signora che si è appena alzata dalla sua sedia, il suo velo rosso, la sua borsa piena di libri e pane. Il pezzo di carta che cade a terra come uno straccio sottile. E i sorrisi inauditi. I passanti. Si muovono, camminano, parlano, si sfiorano, sfolgorano le loro voci. Quasi. Respiri di sole. Questo pomeriggio dal caldo opprimente, dal sapore deciso. Respiri di sole. Graffiati, gettati, riversati a terra. Contro il vetro di questo cafè mezzo dimenticato e mezzo inventato da qualche accaldato passante in cerca di visioni e di un’acqua fresca.

YOM SHISHI – Danza

Voglio perdermi nel tango dei mille fogli bianchi che cadono ad uno ad uno, ad uno ad uno…e volteggiano pieni di spasimo…e io li lascerei adagiarsi, posarsi, poi altri li riempirei di suoni come gocce d’acqua, e altri li brucerei…e lì insieme a migliaia di fogli bianchi sparsi ovunque per le strade, darei inizio al vorticare della mia odissea di sola andata, del mio pellegrinaggio senza credo, che si conclude con questa danza.
Piangerei poi tutto l’inchiostro di cui sono capace, lacrime scure.
Il senso sarebbe solo una questione di cadenza, rapimento, ritmo e cessazione ininterrotta di tutto-quello-che-vuoi e che vorresti.
E’ solo un camminare, al prezzo di un respiro, senza melodia che ti trasporta oltre, ma solo quei suoni che si imprimono sulla tua pelle.
Ogni volta che perdo la mia voce.

E così tutto ciò che non ho detto. Mancava la musica per i miei movimenti.

JACOB KIRKEGAARD: THE POETICS OF SPACE

2010-03-10T21:34:00.002+01:00

From the 25th till the 28th of February the 13th edition of the Sonic Acts Festival took place in Amsterdam. This edition – The Poetic of Space – was entirely dedicated to the exploration of space in performative, audiovisual and film arts. Sonic Acts has become a moment for investigation into the importance of physical space, as well as for the physical and psychological impact of artistic creations centred on space, in a time, like the one we live in, of important and continuous technological development.

This year the program was yet again rich with interesting events, but we at Digicult wanted to focus out attention on a particularly interesting artistic presence: Jacob Kirkegaard. A Danish sound artist who got his training at the Academy of Arts and the Media in Cologne but who now lives in Berlin, Kirkegaard explores the dimensions of sound with a creative and scientific approach. His work concentrates on the aesthetic aspects of resonance, of listening and the sound phenomenon per se, through research on the potential of sound hidden in physical spaces or external environments.

In this context, Jacob Kirkegaard for example has worked on sounds collected at volcano sites, from atmospheric phenomena, ice, deserts, and nuclear plants. He often uses specific electronic equipment for his recordings, such as accelerometers, hydrophones, and electromagnetic receptors. His artistic exploration is therefore directed to the discovery of the quintessential sound object - sound – and its latent and internal potential, that is revealed in order to show all the expressive and acoustic aspects of it.

Some of his beautiful creations and his works have been exhibited at main international artistic locations such as the Club Transmediale in Berlin, the James Cohan Gallery and Diapason in New York, and the Museum of Jurassic Technology in Los Angeles and the Museum of Contemporary Art in Denmark. Kierkegaard has also collaborated with artists such as JG Thirlwell (aka Foetus), Philip Jeck and Lydia Lunch.

At the Sonic Acts XIII in Amsterdam, Kirkegaard presented two works that were particularly interesting for their concept and the artistic results obtained. The first work in the program was Sabulation; this was audio and video footage of the so-called "Singing Sands", developed in the Oman deserts and that ended at the beginning of this year.

The second work presented was Labyrinthitis, an interesting and paradoxical work for the fact that what is listened to in the installation is the listener’s own ear. A kind of “meta-listening”. The human acoustic organ is in fact not just a passive means for listening and reception of what comes from the outside, but also generates its own sounds that Kierkegaard recorded and “played” as if it were a musical instrument. An interactive creation, Labyrinthitis was created in 2007 and commissioned by the Medical Museum of Copenhagen.

Due to Kirkegaard’s participation at the Sonic Acts XIII, I met the Danish artist for an interview where we discussed the role and meaning of his work in art, and particularly sound art.

Silvia Bertolotti: How do you choose the places and sound phenomena for your work? Is it the kind of sound or physical place of sound that strikes you?

Jacob Kirkegaard: The two things hang together. As for Oman for example; What is the sound without the dune in the desert? And what is the desert without the booming dune and the singing sands? Great sounds could be found just outside my door. And in a similar way there are many beautiful places on earth. But when these 2 things come together; a sound of an abandoned room in Chernobyl, or a tone inside my ear then a 3rd thing can occur

Silvia Bertolotti: Do you agree with the term "sound art" to define your creations? Or do you prefer to avoid associating any label to your work?

Jacob Kirkegaard: Genres are not so important for me. Because as soon as I define my creations I feel limited. On the other hand definitions can help break them. However I definitely like the term sound art. I believe that it is an art form in fast development and it seems that it is becoming a more and more respected art form in the more conventional galleries. But since I also work with video, photography, performance and music I like just to define myself as an artist. My primary focus is on sound, to visualize and materialize it.

Silvia Bertolotti: You just referred to your working with photographs, video and performances: what is the exact role of these expressive languages in your work with sound?

Jacob Kirkegaard: Sometimes another medium complements or adds an extra dimension to the sound. Like in the desert I felt that the moving sands visualized the sound in a very meaningful way. Also because, a part from my job as writer I'm also part of a musical duo that works on field recordings/electronic music with reading texts and we just realized a work based on the desert!

Silvia Bertolotti: You once said in an interview that: “Pierre Schaffer and Walter Rutmann made you think of the world as a musical instrument”. What therefore is the role of the artist? How does he create his sounds? I mean, is the artist a composer or listener?

Jacob Kirkegaard: The artist is the interpreter. Just like an artist painting a landscape; he paints what he sees but when you then look at her or his painting what you see is not just the landscape but it is the artist's interpretation of it. The artist is the medium. The world goes through us - we can choose to let it pass or we can paint it, record it or whatever and then re-present it in our way. I am interested in tracing the unheard sounds around me, revealing them and saying "hey listen to what I hear".

Silvia Bertolotti: What therefore is the role of the final listeners? How does the acoustic experience of the artist differ from that of the listener?

Jacob Kirkegaard: To me it is important to leave a part for the audience. I don't wish to dictate with my sound. I'd rather suggest.

Silvia Bertolotti: In listening to the world-instrument and the sound of nature, what is the role of technological instruments that you use? I mean, you are an artist who explores the most internal part of phenomena of places, giving them space for self-expression. But you use devices such as accelerators, hydrophones, acoustic microphones. What is the relationship between the sound object and the technical instrument?

Jacob Kirkegaard:The equipment I use is the medium - just like me as an artist. The way I choose and use equipment are my decisions which then shape the work. Say, if I had used five loudspeakers in Chernobyl instead of just one the work would have sounded different. The matter is the message, right? On the other hand if I hadn't used any loudspeakers in Chernobyl I wouldn't have been able to create my work at all. What I mean about letting the sounds speak by themselves is more that I am interested in listening in different ways (or with different ears - equipment) and wait and see how the sound will unfold. An iron fence that vibrates, resonates and generates different tones because of the wind for example.

Silvia Bertolotti: At a more general level, what is the relationship between sound and music? And starting from that, how is your creative process developed?

Jacob Kirkegaard: There is no such thing as just sound. I think that sound is something objective whereas music is a subjective feeling. So any sound can be music. It depends on the way we are able to interpret the sounds around us. So for me my explorations start when I feel that there is a potential link between a story or a concept and a sound that is interesting to me.

Silvia Bertolotti: I just wanted to know which is basically your creative proccess. I mean, you start from the souns in itself and the how do you "interpret" it? Which are you creative phases (listening, recording, editing, do you have a main concept at the beginning or it develops with the work..etc).

Jacob Kirkegaard: It usually starts when I hear or read about a special sound phenomenon. Like for example the "Singing Sands". It sounded so mysterious that I immediately began fantasizing about how it would sound like. Then I decided to go find the sound. When I was then in the desert I discovered that the sound was different from what I had imagined but nevertheless very interesting. Being there shaped the more concrete idea of how to create the work = what do to with the sound. To my surprise I also discovered the visual aspects of it and decided to return with a video camera. So it is kind of a back & forth; I get inspired to investigate something which then in return challenges me.

Silvia Bertolotti: How did you choose the works that you will present at the Sonic Acts Festival in Amsterdam? Is there a connection between Sabulation and Labyrinthitis?

Jacob Kirkegaard: Those two works are just my most recent larger works. Sabulation was shown for the first time last month at Club Transmediale in Berlin so it is still a very fresh work. And the curators of Sonic Acts insisted on including Labyrinthitis as well and I'm very delighted to show both works.

Silvia Bertolotti: What are your plans for the future? Are you working on something in particular?

Jacob Kirkegaard: I've various projects; installations, music and travels. Next month I'll be in Ethiopia to collect sound for a Danish film project. In march I'll create a sound installation for the KW - Kunstwerke in Berlin. Over the summer I'll be working on my first permanent art piece which will be created for and integrated into the new University of Copenhagen. I'll also be remixing some music, doing some concerts together with Lydia Lunch, designing a listening space for Roskilde Festival and in autumn I'll be in Japan to exhibit Sabulation among other things.

VELVET ACID BLOOD (2007)

2010-03-10T10:27:00.000+01:00

E’ nell’apnea più profonda che riscopriamo la fragilità delle nostre visioni.
Perché non posso andare ancora più giù, nelle profondità del mio corpo, oltre queste pareti galleggianti intorno alla mia testa?
Proprio qui, più sento mancarmi il respiro, più sento di stordirmi con questa assenza, quasi riverberasse nei miei polmoni e nella mia carne.
Anche se affondassi le mani nel buio, non troverei quello di cui ho bisogno.
Ma è solo quando manca il respiro, quando l’aria si fa liquida e tutto più trasparente, quando l’occhio stesso vive di questa opacità sulle cose, che le braccia non si muovono nemmeno più.
Mostrami continenti. Contiamo nuove isole.
Niente.
Non si riesce a respirare.

1.

Vivevano nella stessa città.
Tokyo. Lui. Lei.
Città di luci. Di Pioggia.
Un giorno lei decise di non vederlo mai più.
Glielo disse una notte di Marzo.
Tokyo. Notte. Pioggia.

JAPANESE LULLABY

Non spiegare, non darmi alcuna spiegazione. Questa potrebbe essere l’ultima volta che ti racconto questa storia.
Avvolgiti nella tua coperta di buio, copriti il viso con l’ultimo lembo di oscurità socchiudi gli occhi e preparati ad ascoltare questa storia. Ninnananna moderna, raccolta fra le luci della città di metallo e luce. Tanti sguardi, occhi allungati, capelli neri e volti malinconici erano le voci malcelate che circondavano questo racconto.
Sei comoda nel tuo letto. Il buio non deve farti paura. Non l’ha mai fatta a nessuno.
Ricordo la sua voce calma e profonda. Sapevo che quello che mi avrebbe detto avrebbe cambiato la mia vita, mi avrebbe reso la persona che sono diventata eppure non ero per nulla consapevole di quello che accadeva. Mi lasciavo cullare dai particolari materiali, dalle sensazioni corporee e lasciavo i pensieri posarsi accanto a me come veli piegati.
Il telefono squillò. Non riuscivo a fare nessun movimento. Ero seduto sul divano. Mi sentivo le membra pesanti e pure i muscoli erano tesi. Pronti.
La casa era sommersa in una semioscurità, rischiarata solo dalla luce del salotto.
Mi diressi verso il telefono.
Alzai la cornetta. Era lei. Risposi a monosillabi.
“Si”.
“Va bene”.
“Sai che sono a casa. Non mi muovo”.
Riagganciai. Sarebbe arrivata a breve. Spensi la luce.
Nella notte di Tokyo avvenne la mia morte.
Mi sdraiai sul divano. Chiusi gli occhi. Il riflesso delle luci oltre la finestra riusciva comunque a disturbare il buio della stanza.
Aspettai che suonasse il campanello.

2.

Per uno strano fenomeno astronomico, la luna quella sera divenne rossa.
Semplicemente.
La consuetudine di indicare il fenomeno con l'espressione "Luna rossa" è dovuta alla caratteristica colorazione che la Luna assume durante la fase di totalità dell'eclisse. La causa di ciò è la componente rossa del flusso luminoso proveniente dal Sole, la quale, rifratta dall'atmosfera terrestre, giunge fino alla superficie lunare.
Quella notte lei lo lasciò.

RED MOON

Luna rossa.
Lacrima di sangue sul volto della notte. Luna di sangue
Mi alzo dal divano, vado verso la finestra, mi affaccio su me stesso. Mi interfaccio all’oscurità, come una proiezione del mio corpo. Oltre. Questo vetro. Come ghiaccio trasparente.
Lo vorrei frantumare e poi conficcare dentro di me, attraverso la mia pelle per farla sanguinare sempre di più, per farla lacrimare, per far schizzare le gocce di sangue fino al cielo, fino a quella luna.
Uno sparo nel cielo, luna di sangue, rabbiosa e lontana.
Uno sparo, quello che vorrei tirare sulla mia vita, su queste pagine, su quello che ho già scritto.
Per poi vedere tutto attraverso quel buco fumante e bruciato.

E’ così che è successo.
E’ bastata una sua parola e io sono morto.
Sei fuggita.
La luna sanguina. Con me.
Da non vivo, sono diventato il vampiro di me stesso.
Succhio il mio stesso sangue, lo riverso sul mio dolore, ogni atto di crudeltà che mi è stato fatto nel cuore, lo replico sul mio corpo. Come se ogni atrocità compiuta sulla mia pelle fosse l’unica cosa che potesse mettere a tacere il dolore che ho vissuto il giorno in cui….sono morto.
In cui mi ha tolto la vita. E mi è rimasta solo la crudeltà di quell’evento, che ora diventa un gesto ripetuto sul mio corpo.
Sono diventato un non vivo. Sotto questa luna.
Scarlatta.

Tutto dunque cominciò quella notte. Per gli antichi la luna rossa è annuncio di strage. L’olocausto che si è compiuto nel mio cuore. E il sangue già colava sulle mie mani, ne ero intriso fino nei polmoni. Non appena ho capito il senso delle tue parole.

Tanto che avevo smesso di respirare. Cominciai poi ad aver bisogno di bere. Mi accontento di qualcosa di liquido. Acqua. Un po’ di sollievo alla mia gola arsa.
Come se fosse stato un fuoco a consumarci.
Mi basta vederlo ogni notte, pallido riflesso di ciò che fu un tempo.
Ma quella sera mi sembrava solo di stare alla finestra.
E perdere ogni memoria.
La saggezza dei popoli antichi.

3.

In quel momento il tempo si annullò.
Nel momento della fine, rivide il momento dell’inizio.
Ma le sensazioni erano confuse. Anzi sovrapposte.
Era la fine della sua vita o l’inizio di una nuova?

BLOODFLOWER

Questi fiori come palpebre che spuntano della notte, coprono il pianto scarlatto che ti ho fatto versare respiro dopo respiro.
Non sapevi più se erano gocce di sudore che colavano dalle tue mani tese di desiderio, o rivoli di sangue che sgorgavano dalla tua gola o lacrime di dolorosa gioia.
Ora vuoi coprirti, un velo che nasconda la tua pelle bruciante, che offra riparo al tuo respiro e alla tua voce spossata.
Un velo che nasconda.
Copriti.

Ma le mie labbra hanno segnato come un sigillo ogni centimetro del tuo corpo, un morso spietato e solenne, dolce come liquido lavico e aspro come un acido.
Le nostre bocche si inseguivano come il colpo e la polvere da sparo.
E dalla ferita si riversò tanto di quel sangue che non riuscimmo nemmeno a berlo…circondò i nostri sguardi e i nostri corpi senza vita…sangue come fiumi, come schegge di piacere che penetrano nella carne…ma queste acque infuocate e rosse non possono placare le nostre seti e i nostri bruciori…’più spietato della morte è il nostro amore’…

Siediti qui. Ora ti lascio nel tuo letto di ghiaia. La pelle e la pietra.
Copriti. Il lenzuolo bianco sulla tua pelle pallida.

4.

Divenne un vampiro.
Condannato all’eternità della non vita.
Si aggirava ogni notte nella città.

VELVET VAMPIRE

La città è buia. Le vie si fanno sempre più silenziose. Solo qualche macchina sfreccia.
Le finestre si chiudono, le insegne si spengono. Solo qualche lampione rimane a gettare deboli chiazze di luce scura sul marciapiede.

Cammino. Sempre notte. La pioggia è finita da tempo. Il freddo è pungente e il vento mi attanaglia il collo, nonostante il bavero alzato.
Cammino da secoli, in questa strada che non finirà mai.
Condannato all’eternità, quella che dovrò vivere e quella che non ho vissuto.
Non saprò cosa vuol dire la fine, perché non esiste termine a questo buio.
Per vivere ho bisogno di uccidere, mi nutro della morte degli altri uomini e allo stesso tempo dell’essenza della loro vita: il sangue.
Mescolo vita e morte nel mio bicchiere.
Ma non ha senso per me parlare di condanna.
E allora come descrivere questo mio vagare notturno nel buio, nel vento gelido, accecato dai miei capelli neri sugli occhi?
E’ il mio non-essere, il mio non vivere, il mio non morire e tuttavia correre sulla lama affilata che è al confine tra questi abissi.
Solo come mai uomo lo è stato, perché nemmeno questo mondo mi appartiene.
Non sono fra i vivi, ma nemmeno fra i morti.
Dove posso guardare? Verso quale direzione?
E’ tutto troppo buio, i lampioni non ci sono più. La luna è coperta dalle nuvole. Ora come camminare oltre? Come proseguire su questa strada?
E ogni notte la stessa cosa, la stessa ricerca assetata, la stessa inquietudine che unica mi guida.
Ogni notte lo stesso procedere per le vie deserte della città, della periferia…camminare senza meta.
Cerco vittime? No. Cerco sangue? Si.
Eppure io non voglio uccidere, io ho solo sete di vita, perché quella vita che mi hanno strappato, io sono condannato come un dannato dantesco, a rincorrerla ed afferrala con i miei denti…per inebriarmi, per sentire sulle mie labbra ciò che ora non possiedo più. E ogni volta all’apice della gioia, mi commuovo.
Posso piangere ogni volta che mi nutro?
Ogni volta che ritrovo ciò che infondo rimane per me un ricordo, il più violento e il più sublime, perché me ne hanno privato.
La Vita.

5.

Cambiò anche la sua pratica artistica. Da pittore figurativo divenne body artist.
La sua tela questa volta era il suo corpo.

Opera I

MUTILATION I

La mia prima opera. Da quanto tempo non dipingo più? La mia arte non potrà più essere la stessa.
Da quel giorno.
Mi ricordo anni fa, chino sulla stessa tela. Avevo altre lacrime. Adesso ho la spietatezza di questo sguardo. La gola che brucia. Il grido è la voce dell’anima. Adesso i miei occhi sono asciutti, lucidi, crudeli.
Riesco a vedere le ombre delle cose, prima del loro profilo. Questa assenza di sfumature è letale.
Ora solo un acuto dolore può risvegliare la mia pelle, sole e acciaio solamente mi possono destare. Ho perso tutte le mie visioni.

Cammino per questa strada. Ha appena smesso di piovere. La città è grigia e bagnata. Casa è ancora lontana. Ci vorrà ancora un po’ di tempo.
Mi appoggio al muro. Passo attraverso le cose, che scivolano su di me, impermeabile ad ogni sensazione.
Come se un vuoto assordante graffiasse le mie orecchie.
Mi stringo il polso. Forte, forte. Ti ho afferrato. Le mie ginocchia si fanno deboli. Si piegano, si spezzano sotto il peso del cielo.
Sono a terra, chino. Continua stringere il polso. Il dolore non è abbastanza. Il coltello che porto sempre con me è uscito dalla tasca. Barcolla al vento a pochi passi da me. Sull’asfalto. Lo afferro. Invoco il tuo nome e il nostro amore.
Lo faccio stridere sulla mia pelle. Il metallo è freddo, come le tue mani sulla mia schiena, prima che il mio calore le riscaldasse.
Comincio a sanguinare. Un liquido caldo comincia a scorrere sul braccio. Scottavano i tuoi baci, le mie labbra purpuree allora cercavo di spegnerle su di te. Lasciavo una scia che ribolliva di tensione…e ci soffochiamo a vicenda…Chiazze di rosso ormai colano verso i polsi…raccogli ogni goccia con la tua lingua.
Il sangue è dolce, si scioglie in bocca.
Rimane quel sapore di metallo.
Le tue braccia intorno a me, oltre a me, il tuo corpo dentro di me, come questa ferita che si fa sempre più profonda, più profonda, più dolorosa, più inarrestabilmente piacevole…e non fermarti mai.
Anche il rosso si trasforma in nero.
E io sono trafitto.
La tua vittima, il tuo assassino, il sacrificio che si riversa fra i nostri corpi prostrati e tremanti…chi raccoglierà chi, chi sferrerà l’ultimo colpo, chi soccomberà…
Finché mi stringerai, io alzerò la testa oltre questa strage di corpi…
Il braccio mi fa male, un dolore acuto che sale fino alla mente, mi offusca totalmente. Chiudo gli occhi per non vedere, per non vederti.
E sento te, il tuo peso, il tuo profumo che cola dalle tempie..sudore freddo.
Non posso appoggiarmi a terra, i polsi non mi sorreggono.
Troppo sangue sui miei vestiti. Devo posare la testa a terra.
Sfinito. Stremato. Consumato. Accecato dal piacere. Dolore acuto.

6.

Opera II

MUTILATION II

Quanto mi dà fastidio la luce del sole. Sembra quasi farmi male. Aggredirmi con la sua chiarezza troppo ostentata. Non pensavo fosse vero il luogo comune che vedeva i vampiri fuggire dalla luce del giorno. Credevo fosse un’esagerazione.
Invece provo sofferenza fisica e psicologica. Come una violazione della mia persona.
Cerco di ripararmi almeno gli occhi con le mani, ma il sole sembra penetrare ovunque. Sono costretto a mettere gli occhiali da sole e alzare ancora di più il bavero del mio impermeabile. Mi sento un clandestino, un fuggiasco, un ricercato. Devo scappare trovare rifugio nell’ombra. Una strada laterale sembra al riparo da questa luce accecante. Un vicolo stretto e ombreggiato. Svolto di fretta sulla destra ed ecco un po’ di sollievo. Continuo a tenere gli occhiali.
Solo nel silenzio di questa semioscurità ritrovo un po’ di calma.
Improvvisamente mi sembra di vedere il suo profilo. Su questo stesso marciapiede. E’ inconfondibilmente lei.
Riconosco i capelli castano chiari che cadono tristemente sulla destra, il capo un po’ chino e il suo incedere lento e indeciso.
Lei è proprio così, come ho fatto a non accorgermene prima. Un po’ richiusa nella sua solitudine, su cui si piega con le spalle e con quel suo ondeggiare un po’ smarrito.
Sin dalla prima volta ha scatenato in me un viscerale bisogno di protezione e allo stesso tempo di eccitata inquietudine per quel mistero che si portava dietro e sembrava celare a tutti.
Lei aveva un abisso in corpo, scuro e tenebroso, che ti risucchiava come una voragine e contrastava con quella sua fragilità e timidezza esterna.
Quel mistero sarebbe stato molto simile alla tenebra in cui io vivo ora.
Era inevitabile che il suo abbandono mi gettasse addirittura al di fuori della vita.
Lei era davvero…mi son vietato di pensare a lei. Non posso ancora permettermelo.
Il sole, lo smarrimento e questa immagine mi han provocato un leggero giramento di testa. Mi appoggio al muro. Perché tutta questa debolezza? Io non posso cedere così…io son condannato a non morire.
Io…non…posso… mi appoggio con la schiena sul muro e sento qualcosa di duro fra le costole. Con la mano sposto la giacca e ricordo di aver portato con me la pistola trovata a casa.
La prendo. La tengo fra le mani. E’ ancora fredda, ma la mia mano lo è di più. Una ragazza passa in quel momento accanto me. Ha i capelli raccolti e un vestito beige. Mi guarda, curiosa e stupita.
Senza nemmeno pensare, l’afferro per un braccio e la spingo contro il muro. Lei non osa muoversi. Mi guarda spaventata. Mi avvicino a lei e premo il mio corpo sul suo. Una sfida e al tempo stesso una rassicurazione. Prendo la pistola e la faccio passare sul suo volto...la fronte, il naso, traccio il profilo delle sue guance e poi scivolo sulle labbra, rosse e lucide. In quel momento vedo solo quella bocca tenera e senza resistenza.
Mi ricordano tutto ciò che non osavo baciare la prima volta che ti ho visto.
Con un gesto deciso, apro un spiraglio fra le labbra con la canna e le scopro i denti. Passo lo scuro metallo sui denti poi lo sollevo e infilo la mia lingua nella canna. Lei sembra congelata e rimane attaccata al muro senza che debba tenerla io, che infatti mi sono allontanato in preda alla mia estasi violenta.
Sento la pistola che si introduce dura e spietata nella mia bocca. Stringo la canna con le labbra e con i denti. Chi vincerà? E’ quasi arrivata alla gola e allora di nuovo rimetto la lingua nella canna e la percorro fino in fondo.
Non aver paura, non sarà questo sangue a bagnarti, non sarà questo colpo a ferirti…Il mio fa ancora più male, perché dal mio ti risvegli e, immobile, non puoi più urlare. Ti inchiodo al mio corpo con un solo sparo e quello spasimo ti trafigge in gola, nello stomaco e fra le gambe.
Senti come afferro i tuoi polsi, come ti stendo a terra e come dolcemente tu ti abbandoni chiudendo gli occhi e con i capelli che ti coprono in parte il viso. Senti la forza che ti stringe, ti avvolge, ti plasma, ti trascina…
La ragazza improvvisamente si stacca e comincia a correre lontano…senza nemmeno un urlo. Non mi muovo, la seguo solo con lo sguardo. Ormai non vedo più niente al di fuori di me. Sento solo questo colpo che sta per esplodere e so che anche tu lo senti.
Non sai dove colpirà ma sospiri e ansimi per cercarlo ancora più intensamente. Mentre con il braccio ti tengo ferma, con l’altro prendo la pistola e scivolo sinuosamente su di te. Chi sarà ferito? Chi sarà la vittima? Chi invece urlerà per l’orrore?
Sorvoliamo entrambi oltre questa risposta le nostre orecchie sono rivolte solo ai nostri echi interni e così gli occhi più non chiedono…SBANG!!!...Ahhh….perdo l’equilibrio ma riesco a non cadere.
Il rumore mi ha assordato. Un po’ di fumo esce dalla pistola come il sangue che gocciola dalla mia gamba. Non lo vedo subito perché i pantaloni sono neri ma vedo una macchia rossa sul cemento.
Solo a questo punto sento un dolore atroce squarciarmi la coscia, all’interno. Un bruciore così intenso che mi fa cadere la pistola di mano.
La gamba trema e non mi regge più. Continuo a sanguinare.
Il colpo ha trafitto me, il dolore mi incatena ora al mio stesso corpo, non posso liberarmi perché viene dall’interno e non si può combattere.
Ma le mie viscere si rifiutano di soccombere. Stringo i denti come se stringessi questo stesso male, i denti tremano dallo sforzo e un grido soffocato come un brivido esce dalla mia bocca.
Spezzami, vai ancora più a fondo, così, io resisto ancora, non sento più le gambe ma sento la forza che mi sale per la schiena, come una scarica elettrica. Mi piego, urlo urlo con tutta la voce che ho in gola. Sputo a terra, sul mio dolore, sul sangue, sulla terra, sul nostro amore.

BODY ART

Oggi ho voglia di stare seduto.
Ci sono evidenze che non riesco ad accettare. La speranza è come il sangue: è ciò che ti dà la vita e quando ne sei privo, sei semplicemente morto. La vita che fa rima con morte. Bel ritornello.
Io di sangue ne sto perdendo tanto e non solo durante le mie performances. Ormai il sangue è quello vero, il mio.
Ora dipingo con la mia vita, la uso non tanto come tela, ma come colore.
E fa male. Sì fa male.
E come un vampiro mi nutro di sangue, ne ho un bisogno assoluto eppure poi continuo a perderlo. Mi ferisco ma…è ciò che mi dà la vita.
Come un vampiro vivo la contraddizione fra vita e morte sulla mia pelle. Già è proprio il caso di dirlo.
Come lui non sono morto, ma sono un non-vivo. E la mia vita si fonda sulla morte. Perder sangue mi fa morire eppure ho bisogno di farlo scorrere per vivere.
Da quella sera sono confinato in un gioco assurdo e crudele di non sensi. E ne sono il giocatore principale e forse l’unico spettatore.
Questo sarete voi a dirmelo.
Continuo a camminare. Pantaloni neri, una maglietta nera e un lungo soprabito di pelle dello stesso colore. La testa pende leggermente sulla destra, come a voler deviare uno sguardo, a voler schivare la luce.
Ce n’è talmente poca oggi. Con questo cielo plumbeo e ossessivo.
Perché può essere il cielo ossessivo? Certamente. Quando è fatto di metallo, non ha sfumature, è coperto e ipnotico nella sua monotonia che non lascia spazi.
Per questo preferisco la notte. Così non vedi nulla. O meglio vedi solo i riflessi, le sfumature, i riverberi. Ciò che non taglia, che non fa male.
Ho ancora il coltello nella tasca. Sento la lama affilata con la punta del dito. Ora ci gioco. Quando lo uso sul mio corpo allora il gioco si fa tremendamente serio. E diventa tragedia.
Esiste tragedia più sprezzante di quella ludica? E allo stesso tempo volontaria.

Non ho mai pensato ad un altro strumento per la mia arte. Il coltello mi ricorda la spada. Ha un che di nobile e di senza scampo.
Un taglio è supremo. Eppure non è detto che uccida. Uno sparo sì.
Il taglio si può fermare prima. Può essere graffio, sfregio, ferita, coltellata. Può danzare con la morte e decidere di stare sul confine.
Il che è ancora più crudele. Può provocare dolore senza provocare necessariamente morte.

Tranquilli.
Non riuscirei mai a far del male a nessuno.
Non sono il nuovo Raskolnikov, non ho scommesse da fare né nulla da dimostrare.
Voglio solo riproporre quello che tu mi hai fatto su di me, esprimerlo e renderlo visibile con la mia arte.
E nella maniera più incondizionata che esista: usando solo il mio corpo e il mio dolore.
Di più incondizionato ci può essere solo il mio amore per te.

8.

E le scrisse anche un altro messaggio.
Pare che fosse una lettera.
Dimenticò di mettere l’indirizzo.

LAST KISS

“Certe volte vorrei baciarti. Con una lama sulla lingua. Sentirla fredda, dura che si posa sul morbido calore della tua bocca. Vorrei mordere le tue labbra e tagliarmi con il suo metallo. Vorrei poi sciogliere quelle gocce di sangue e far incendiare il nostro bacio. Rabbrividisci. Cos’è? Piacere o paura? Continua, il ritmo si fa più veloce, respiri e muovi più intensamente la lingua, ormai ti fondi con quella lama, come io mi perdo in questo alternarsi di caldo e gelido, dolce e metallico”.

JACOB KIERKEGAARD: The Poetic of Space

2010-03-10T10:08:00.002+01:00

Dal 25 al 28 Febbraio è svolta ad Amsterdam la 13ma edizione del Sonic Acts Festival. Questa edizione – The Poetic of Space – è stata interamente dedicata all’esplorazione dello Spazio nelle arti performative, audiovisive e cinematografiche. Sonic Acts è diventato esso stesso un momento di indagine sull’importanza dello spazio fisico, come pure sull’impatto fisico e psicologico di creazioni artistiche incentrate sullo spazio, in un’epoca, come quella attuale, di importanti e continui sviluppi tecnologici.
Anche quest’anno il programma era ricco di interessanti eventi, ma vorrei in particolare soffermarmi su una presenza estremamente interessante: Jacob Kierkeegard.

Sound artist danese formatosi all’ Academy of Arts and the Media di Cologna, ma che ora vive a Berlino, Kierkegaard esplora principalmente le dimensioni del suono con un approccio sia creativo che scientifico. Il suo lavoro si concentra sugli aspetti estetici della risonanza, dell’ascolto e del fenomeno sonoro in sé, attraverso una ricerca sulla potenzialità del suono nascosto negli spazi fisici o nei luoghi esterni. In questo contesto, Kiekegaard ha per esempio lavorato su suoni raccolti presso vulcani, tratti da fenomeni atmosferici, ghiacci, deserti e impianti nucleari. Spesso vengono utlizzate per la registrazione delle apparecchiature elettroniche molto specifiche come accelerometri, idrofoni e ricettori elettromagnetici.
Le suo opere – registrazioni, composizioni e installazioni principalmente - si focalizzano sul suono e la sua relazione con gli spazi (interni od esterni) e i fenomeni acustici.
La sua esplorazione artistica è proprio volta alla scoperta dell’oggetto sonoro per antonomasia – il suono – e alle sue potenzialità latenti e interne, che vengono disvelate al fine di mostrarne tutti gli aspetti espressivi e acustici.
Alcune delle sue creazioni sono state esposte al Club Transmediale di Berlino, alla James Cohan Gallery e al Diapason di New York, come pure al Museum of Jurassic Technology di Los Angeles e al Museum of Contemorary Art in Danimarca.
Ha inoltre collaborato con artisti come JG Thirlwell (aka Foetus), Philip Jeck e Lydia Lunch.

Al Sonic Acts XIII di Amsterdam, in particolare, Kierkegaard ha presentato due opere particolarmente interessanti sia per il concept da cui nascono che per i risultati artistici ottenuti. Ma d’altronde per un artista come Kierkegaard sperimentazione e creatività vanno sempre di pari passo.
La prima opera in programma era ‘Sabulation’. Si tratta di un footage audio e video delle cosiddette ‘Singing Sands’ realizzato nei deserti dell’Oman e concluso proprio all’inizio di quest’anno.
La seconda ad essere presentata è stata invece ‘Labyrinthitis’, interessante e paradossale per il fatto che cio’ che si ascolta è proprio il nostro orecchio. Una sorta di ‘meta-ascolto’. L’organo acustico umano infatti non solo è un mezzo passivo di ascolto e ricezione di cio’ che proviene dall’esterno, ma genera esso stesso dei suoni che Kierkegaard ha registrato e ‘suonato’ come se si trattasse di uno strumento musicale. Creazione interattiva, Labyrinthitis è stata realizzata nel 2007 su commissione del Medical Museum di Copenhagen.

In occasione dunque della partecipazione di Kierkegaard al Sonic Acts XIII, ho incontrato l’artista danese per un’intervista in cui si è discusso principalmente del ruolo e del significato del suo fare arte e in particolare sound art.

1) Come scegli i luoghi o i fenomeni sonori per i tuoi lavori? E’ il tipo di suono o il luogo fisico in sé che ti colpisce?

I due elementi vanno di pari passo. Il caso dell’Oman per esempio: cosa sarebbe il suono senza le dune del deserto? E cosa sarebbe il deserto stesso senza il canto delle dune e della sabbia? Posso trovare degli ottimi suoni appena fuori dalla mia porta di casa. E ci sono allo stesso tempo dei bellissimi luoghi sulla terra. Ma questi due elementi vanno di pari passo; partendo dal suono di una stanza abbandonata a Chernobyl o dal tono dentro il mio orecchio si puo’ arrivare ad una cosa del tutto nuova.

2) Concordi con il termine di ‘sound art’ per definire le tue creazioni? O preferiresti un altro termine per descrivere il tuo lavoro?

I generi non sono tanto importanti per me. Perchè nel momento in cui definisco le mie creazioni, mi sento limitato. Dall’altra parte pero’ le definizioni possono aiutare. In ogni caso, sono assolutamente d’accordo con il termine di ‘sound art’. Credo che essa sia una forma d’arte in pieno sviluppo e pare stia diventando sempre più rispettata anche fra le gallerie più tradizionali. Dal momento pero’ in cui lavoro anche con video, fotografie, performances e musica, preferisco definire me stesso semplicemente come un artista. La mia attenzione primaria è diretta al suono, alla sua visualizzazione e materializzazione.

3) Hai appena fatto riferimento al tuo lavorare con fotografie, video e performances: qual’è esattamente il ruolo di questi linguaggi espressivi nel tuo lavoro con i suoni?

A volte gli altri media completano o aggiungono una dimensione ulteriore al suono. Come nel deserto ho sentito che il movimento della sabbia visualizzava il suono in maniera estremamente significativa.

4) Una volta hai dichiarato in un’intervista che “Pierre Schaffer e Walter Rutmann ti hanno fatto pensare al mondo come ad uno strumento musicale”. Qual’è dunque il ruolo dell’artista? Come crea i suoi suoni? Intendo, l’artista è un compositore o piuttosto un ascoltatore?

L’artista è l’interprete. Come un artista che dipinge un panorama: egli dipinge quello che vede, ma quando guardi il suo dipinto, cio’ che vedi non è solamente quel determinato panorama, bensi’ l’interpretazione che l’artista stesso ne ha dato. L’artista è il medium. Il mondo si muove attraverso di noi; sta a noi scegliere se lasciarlo semplicemente passare oppure se dipingerlo, registrarlo o altro, per poi ri-presentarlo nella nostra peculiare modalità espressiva. Io sono interessato al tracciare i suoni inascoltati che sono attorno a noi, rivelarli e dire poi: “ hey, ascolta quello che sento!”.

5) Qual’è allora il ruolo degli ascoltatori finali? In cosa l’esperienza acustica vissuta dall’artista e quella vissuta dall’ascoltatore differiscono?

Per me è importante lasciare uno spazio agli ascoltatori. Non voglio fornire dettami troppo chiari con i miei suoni. Preferisco piuttosto suggerire.

6) Nell’ascoltare il mondo-strumento e il suono della natura, qual’è’ il ruolo degli strumenti tecnologici che tu utilizzi? Intendo, sei un artista che esplora la parte più interna dei fenomeni e dei luoghi, lasciando loro la parola. Ma utilizzi anche apparecchiature come acceleratori, idrofoni, microfoni acustici. Qual’è la relazione fra l’oggetto sonoro e lo strumento tecnico?

Le apparecchiature che io utlizzo sono dei mezzi, proprio come me in quanto artista. Il modo in cui scelgo e mi servo di questi strumenti fa parte della decisione più ampia che plasmerà poi l’opera. Per esempio, se avessi utilizzato cinque amplificatori a Chernobyl invece di uno solo, il risultato sarebbe stato totalmente diverso. La questione non è il messaggio? Dall’altra parte, se non avessi usato alcun amplificatore a Chernobyl, non avrei potuto creare nemmeno l’opera stessa. Quello che intendo quando parlo di lasciare parlare il suono in sé, non è semplicemente il fatto di essere interessato ai diversi tipi di ascolto (o con diversi tipi di orecchie/strumenti) per poi aspettare e vedere cosa ne verrà fuori. Una recinzione di ferro vibra, risuona e genera differenti tipi di toni a causa del vento, per esempio.

7) Ad un livello più generale, quale risulta essere la relazione dunque fra suono e musica? E partendo da essi, come si svolge il tuo proceasso creativo?

Credo che non esista una cosa come il suono in sé. Ritengo piuttosto che il suono sia qualcosa di oggettivo, mentre la musica è un sentimento soggettivo. In questa maniera, ogni suono puo’ essere musica. Dipende dal modo in cui siamo capaci di interpretare i suoni attorno a noi. Pertanto, le mie esplorazioni cominciano quando sento che esiste un legame potenziale tra una storia o un concetto e un suono per me interessante.

8) Nel tuo processo creativo allora il punto di partenza è suono in sè? Come lo interpreti successivamente?

Normalmente tutto ha inizio quando ascolto o leggo qualcosa intorno ad un fenomeno sonoro particolare. Come per esempio le "Singing Sands". Mi sembrava molto misterioso e cosi’ cominciai immediatamente a fantasticare intorno al suono che avrebbero prodotto. A quel punto decisi di andare là e cercare il suono. Quando poi mi sono trovato nel deserto ho scoperto che il suono era totalmente diverso da quello che avevo immaginato; tuttavia era interessante. Essere in quel luogo mi ha permesso di avere un’idea più concreta sul come creare l’opera e su come lavorare con il suono. Inoltre, con mia grande sorpresa, ho scoperto gli aspetti visivi del fenomeno e pertanto ho deciso di farvi ritorno con una videocamera. Insomma tutto il processo è una sorta di avanti e indietro; trovo l’ispirazione per investigare qualcosa che rappresenta poi una sfida per me.

9) Come hai scelto le due opere che presenterai al Sonic Acts Festival di Amsterdam? Tra “Sabulation” e “Labyrinthitis” esiste una particolare connessione?

Queste due opere sono i miei due lavori più recenti e complessi. “Sabulation” é stato presentato per la prima volta il mese scorso al Club Transmediale a Berlino ed è quindi una crazione davvero nuova. I curatori di Sonic Acts hanno insistito poi nell’includere anche “Labyrinthitis” e ora sono davvero felice di presentare entrambi.

10) Quali sono attualmente i tuoi piani per il futuro? Stai lavorando a qualcosa in particolare?

Ho diversi progetti al momento: installazioni, musiche e viaggi. Il mese prossimo saro’ in Etiopia per raccogliere e registrare dei suoni per la realizzazione di un film danese. A marzo poi lavorero’ su un’installazione sonora per il KW- Kunstwerke a Berlino. In estate invece saro’ impegnato con la mia prima opera d’arte permanente che sarà parte della nuova Università di Copenhagen. Faro’ anche dei remix di alcune musiche, come pure ho in programma dei concerti insieme a Lydia Lunch, che sta disegnando uno spazio d’ascolto per il Roskilde Festival. Infine in autunno saro’ in Giappone per la presentazione di “Sabulation” .

PERFORMA 09: ALLE RADICI DEL NOISE

2010-03-09T14:09:00.001+01:00

BIENNALE PERFORMA 09:
ALLE RADICI DEL VIDEO E DEL NOISE

Autunno a New York. Non è l’incipit per un racconto fatto di situazioni romantiche impresse su celluloide o per rêveries vintage. Magari è anche questo, New York è sempre tutto e il suo contrario. Ma un autunno a Manhattan può essere un’instancabile e sempre sbalorditiva passeggiata artistica, che nel mio caso ha avuto la fortuna di avvenire proprio durante i giorni in cui si è svolto un evento eccezionale per noi amanti delle arti digitali ed elettroniche: la Biennale Performa 09, rassegna multidisciplinare e trasversale, che anche quest’anno si è svolta in più locations contemporaneamente, dedicata alle performing arts, in tutte le loro declinazioni.

Per questa edizione, tenutasi dal 1 al 22 Novembre 2009, l’idea è stata quella di volgere lo sguardo indietro, verso le origini dell’arte performativa e multimediale contemporanea. Questo curioso ed emozionante flash back artistico ed estetico avviene non a caso in concomitanza con il centenario della pubblicazione del Manifesto del Futurismo.

Così, all’insegna di un excursus storico e teorico, per l’edizione 2009 si è ripercorsa a ritroso la storia dell'arte contemporanea, con numerose iniziative, concerti e mostre; un pò per interesse personale, un pò per l’eccezionalità di questi momenti performativi, ho voluto soffermarmi su due eventi che omaggiano la nascita di ciò che sono oggi due correnti artistiche tra le più importanti nel digitale: la musica elettronica e la videoarte.

Al PS1 Contemporary Art Center, uno degli spazi artistici più stimolanti di New York, Performa 09 ha organizzato 100 Years (Version #2, PS1, nov 09), una mostra che ha presentato i momenti più importanti e decisivi della storia della Performance Art. Sono stati presentate oltre 200 opere fra cui installazioni, film, documenti audio-visivi che hanno illustrato i lavori più esemplari della storia della performance art di cui New York rappresenta la capitale indiscussa.

Una collettiva che ha anche avuto il pregio di fornire numerose informazioni di tipo documentaristico, esplicitamente concepita per essere una sorta di archivio della storia della performance art, caratterizzata non solo da documenti originali ma anche da testi riproducibili, foto, film e materiali audio totalmente accessibili al pubblico. Il tutto ideato come un progetto di traveling research in forma di rassegna espositiva, con numerose connessioni ovviamente anche con la scena artistica locale. 100 Years è stata curata da Klaus Biesenbachm, chief curatorial advisor di PS1 e del MOMA, e da RoseLee Goldbergm curatrice e direttrice di Performa.

All’interno di 100 Years, l’EAI (Electronic Arts Intermix) ha presentato la mostra 45 Years of Performance Video: punto nodale, nonchè origine di tutta la videoarte contemporanea, ossia l’incontro avvenuto nella seconda metà del secolo scorso fra performance live (l'happening) e il mezzo espressivo del video. Da questo connubio e sintesi è scaturita un’unità artistica che ha trasceso l’apparente polarità tra oggetto (performance) e strumento (video): la nascita della videoarte con i suoi successivi sviluppi, ha infatti avuto uogo proprio quando la live performance ha cominciato ad essere registrata e trasmessa attraverso immagini filmiche. Quando cioè il video è diventato il format di esercizi concettuali basati sull’azione del corpo.

Le molteplici strategie creative di alcuni dei più grandi esponenti e precursori della videoarte sono state presentate in questa esposzione: da Marina Abramivich a Matthew Barney, ma anche Guido Van der Werve e Dan Graham. Diversi monitor sono stati posti in successione, a mostrare, in un percorso circolare che si sviluppa storicamente, le diverse registrazioni dei vari artisti. In alcuni casi è anche possibile ascoltare la parte audio grazie a delle cuffie. In questo modo naturalmente si arriva al 2009 a partire dai primi esempi di happening filmato degli anni 60.

Il secondo evento su cui vorrei soffermarmi e’ stato un concerto che si e’ tenuto al Town Hall di Manhattan: Music for 16 noise intoners. Tutto nasce in occasione della ricostruzione della macchina intonarumori di Marinetti, commissionata da Performa 09 a Luciano Chessa: il conseguente concerto è stato prodotto e presentato da Performa in collaborazione con SFMOMA e EMPAC. Curatori sono stati lo stesso Luciano Chessa e Esa Nickle
Durante il concerto sono stati eseguiti non solo brani orginali di autori storici (Russolo, Buzzi) ma anche contribuiti di autori contemporanei e attivi su altri versanti come Mike Patton, Blixa Bagerld, Elliott Sharp e inoltre lo stesso Chessa.
Le famose macchine intonarumori sono state disposte sul palco una accanto all’altra, come tanti piccoli edifici squadrati in fila, seguendo un’archiettura orchestrale. Quello che però producono è l’idea stessa di suono, in una concezione nuova e dalla prospettiva ribaltata, in cui si approccia il suono stessa nella sua essenza rumoristica, di fenomeno che si produce nel silenzio. Il rumore, quello che esce da quelle macchine e che penetra le nostre orecchie e la nostra coscienza a livello di fenomeno puramente acustico, è quello stesso che noi sentiamo nel mondo, al di fuori di una sala da concerto. Paradosso e nuova presa di coscienza acustica allo stesso tempo.

Già Russolo nel 1913 nella sua Arte del Rumore, che precede la realizzazione delle macchine intonarumori, dichiarava la fine del silenzio. Il Novecento con l’invenzione di nuove macchine, l’indutralizzazione e le prime forme di urbanismo teconologico, ha dischiuso un mondo esterno e una realtà quotidiana in cui il suono e il silenzio possono ormai essere filtrati da una struttura e un pensiero musicale. Tornare al Futurismo in questo caso, come Performa 09 ha scelto di fare, significa scegliere di soffermarsi sulla nascita del Rumore e sul suo rapporto non solo col silenzio ma con la musica stessa. Performa 09 ha quindi deciso di commissionare a Chessa la ricostruzione di questi strumenti e da ciò è nata anche l’idea di dedicare parte della Biennale al Futurismo e all’arte performativa per eccellenza: la musica.

THE MOMENT OF RELATION: Women and Art

2010-03-09T11:06:00.000+01:00

Woman artist and her creativity.
Two terms that indicate more than the simple focusing on a theme.
Through art, one focuses on the moment itself of the Relation.
The Relation is the only authentic way that discloses to the woman her identity and to the painter her vision.
Only through the Relation, both with the otherness and ourselves, is it possible to find our origins.
In a group exhibition, women artists are presented, different creative minds, different pictorial views. More important, they join to be met by others. A Relation has been established, a space where the seed of awareness, as women and as artists, may settle and begin to grow.
From this perspective a group art event, take on a new responsibility: that of allowing expressive differences but a common awareness of one Vision to meet.
The Relation becomes the central thematic and aesthetic point: a dialogue about the woman and feminine creativity.
Woman has to face herself first before meeting the otherness, intended both, as the outside world and her imagination, and their reciprocal relationship.
To celebrate the moment of all these different relations, it becomes the real existential and creative accomplishment that permits the woman to establish herself as a main player on the stages of life, society and art.
A new woman is born, aware of her expressive capacity that gives an ever clearer value to her presence in the world.
The woman, the artist. The group exhibition shows us the idea of a genetic phenomenology of both of them in different creative ways.
Our attention doesn’t have to focus on the woman as an individual but on the “between”, on the meeting, in this space and this time of the relation that we call Art.
The relation is not an inner psychological or social attitude, nor an objective phenomenon.
The relation is a structure, a creative paradigm that these artists were able to perform in pictorial and figurative terms.
Then, the discovery of a “DNA” takes place, that becomes imaginative, because it goes beyond the dimension of historical or social belonging, and rather becomes an aesthetic realization. This is the artistic DNA of the woman and demonstrates that the expression of an essence goes beyond gender to become a way to see the world through this feminine glance.
The work of art is born. But also the discovery that what we see is part of ourselves.
The Relation, like art, is an event, it doesn’t have a duration, it doesn’t show objects, but happens in an instant: it creates the Present.
The moment of this connection is what women artists are showing us in different ways.
So, they may show us the density of the dreamlike dimension , the fluidity of the human and natural elements that meet to mould and to identify each other, the surrealistic dream that becomes a fairytale of nature and chromatic enchantment.
Or the opening of the limits of the form to the Presence, in an unfinished matter still open to unlimited possibilities, in its relation to space. The ever Presence like a counter-melody to the infinite.
Or clean “Images “, where traces to certain historical periods of painting are more evident, but not foreseen. Figures with a dreaming vitality, a surrealistic factuality of bodies bursting with their presence and dynamism. Or the matter that plays a sort of game, on the border of a transient irony and the threshold of a space where full matter alternates with void. Or a crystal and noble way to look at the world, where transparency seems to be a constant and takes us, like late-renaissance painting, through a calm visionarism, in harmony with itself and full of nearly surrealistic formalism.To be continued.
To be a woman means to be present. In the relation with our imagination and with the outside world. In the “hic et nunc” of our creativity.

LA RELAZIONE E IL PRESENTE: donne e arte

2010-03-09T10:07:00.000+01:00

Un evento, questa collettiva, dedicato alla donna e alla creativita’.
Due termini che indicano ben piu’ di una messa a fuoco tematica.
Attraverso l’arte, cio’ su cui ci si focalizza, e’ il momento stesso della Relazione.
La Relazione e’ l’unica via autentica che svela alla donna la sua identita’, come alla alla pittrice la sua visione. Solo nella Relazione, con un’alterita’ ma anche con se stessi, ci si ritrova. Vengono presentate in quest’occasione quattro artiste, quattro modi di creare, quattro visioni pittoriche, ma sorpattutto quattro donne che si incontrano e si fanno incontrare. E si istituisce cosi’ la Relazione, quello spazio in cui sedimenta e in cui germoglia la consapevolezza di se’, in quanto donne e in quanto creatrici.
I quadri scelti per questa mostra, di Giulia Bellarosa, Patrizia Comand, Maria Micozzi e Svetlana Nikolic, assumono allora in quest’ottica, uno speciale statuto, quello appunto di incontro, non solo fra diversita’ espressive, ma fra coscienze differenti di una stessa Visione. Essa diventa cosi il punto in cui interiorita’ ed esteriorita’ si rapportano.
La Relazione diventa pertanto il fulcro tematico ed estetico, di un dialogo intorno alla donna e alla creativita’ femminile.
La donna si deve confrontare prima con se stessa per poi incontrare l’alterita’, sia essa il mondo esterno o la propria immaginazione o, ancora una volta, il loro reciproco relazionarsi.
Celebrare il momento di tutte queste relazioni, diventa la massima presa di coscienza esistenziale e creativa, che permette alla donna di affermare se stessa come attrice sui diversi palcoscenici della vita, della societa e dell’arte.
Ne nasce una donna ‘nuova’, consapevole di se stessa e del proprio linguaggio espressivo, che ne specifica ulterioremente la presenza al mondo.
La donna, l’artista. Questa collettiva ci offre lo spunto per una fenomenolgia genentica di entrambe, in quattro modalita’ creative diverse.
La nostra attenzione deve allora concentrarsi non tanto sulla donna come individuo ma sul “tra”, sull’incontro, su questo spazio e questo tempo del suo relazionarsi, che noi chiamamo Arte.
La relazione non e’ quindi un atteggiamento psicologico, interno all’io, ne’ un atteggiamento sociale o un fenomeno oggettivo.
Ma e’ una struttura, un paradigma creativo che queste quattro pittrici hanno saputo declinare in termini pittorici e figurativi.
Avviene allora la scoperta di un “Dna” che diventa immaginifico, perche’ trascende la dimensione di appartenenza storica o sociale, ma diventa un momento di attuazione estetica. Questo e’ il dna artistico della donna, come le opere di queste artiste ci dimostrano: l’espressione di un’essenza che va oltre il genere, per diventare modo di esprimere, modo di vedere il mondo attraverso questo sguardo femminile.
E nasce l’opera d’arte. In questo caso la pittura, per antonomasia arte del vedere, ma anche dello scoprire che cio’ che vediamo e’ parte di noi.
La Relazione come l’arte, e’ un evento, percio’ non ha durata, non mostra oggetti, ma avviene nell’attimo, genera un Presente.
Il presente di questa visione relazionale (e relazionata) e’ quello che in maniera diversa ma comune, le nostre pittrici ci mostrano attraverso i loro dipinti.

Da una parte ecco allora la “Visione” nelle opere di Giulia Bellarosa, dove abbiamo l’incontro tra densita’ della dimensione onirica e fluidita’ dell’elemento umano e naturale, in un plasmarsi e compenetrasi sferico, come una danza sulla soglia degli elementi. Il sogno surrealista diventa favola sulla natura e incanto cromatico.
Oppure la pittura di Maria Micozzi, in cui crollano i muri perimetrali della forma e irrompe la Presenza, nella sua matericita’ non–finita e per questo aperta alle sue possibilita infinite, nel suo rapportarsi con lo spazio. La presenzialita e’ un controcanto all’infinito.
Dall’altra invece troviamo le “Immagini” piu nitide delle altre due artiste, dove i richiami a certa pittura storica sono forse piu’ evidenti, ma non scontati. In Patrizia Comand osserviamo un vitalismo onirico, una fattualita’ surreale di questo corpi straripanti di presenza, ma anche di dinamismo. La materia si fa gioco, sul filo di un’ironia precaria e sulla soglia di uno spazio che puo’ diventare una ritornello alternato fra pieno e vuoto. Nei quadri di Svetlana Nicolic, invece, emerge un vedere cristallino e nobile, in cui la trasparenza sembra essere una presenza costante che ci conduce, come in certi quadri tardo-rinascimentali, attraverso un visioniarismo non inquieto, ma conciliato con se stesso e colmo di un certo formalismo quasi surreale.

Essere donna significa quindi essere presenti. Nella relazione con la nostra immaginazione e con l’esterno. Nel qui e ora della nostra creativita’.